Samedi soir dernier, La Taverne de Saint-Casimir était bien remplie pour le spectacle du récent album de Matt Holubowski, Solitudes. La diversité des gens présents dans la salle m’a surpris, c’est à croire que Matt à un public très large et intergénérationnel.
Bien qu’il soit accompagné de fabuleux musiciens en spectacle, Matt est entré sur scène seul, avec sa guitare acoustique et seulement une faisceau de lumière sur lui en guise d’artifice. Il interprètera le premier extrait The Warden & The Hangman de son nouvel album Solitudes sorti en septembre dernier.
Les musiciens sont entrés sur scène sans grand éclat au fil de la chanson. C’est à ce moment que j’ai aperçu Marianne Houle derrière son violoncelle. Cette musicienne qui performe également avec Antoine Corriveau et Sarah Toussaint-Léveillée est d’un talent incroyable. Elle ajoute un son planant aux tonalités acoustiques qui se mélange bien à la voix chaude et unique de Matt.
Il a enchaîné avec Exhale/Inhale accompagné d’un Ukulélé comme instrument ce qui a ajouté une touche plus festive à la chanson. Il en fera même la remarque : « On m’a dit que ça allait être festif à soir, on n’est pas habitué de jouer dans des bars, en plus y vendent de la bonne bière !». En effet, la salle de spectacle de La Taverne nous permet de goûter aux délicieux produits de la microbrasserie Les Grands Bois, fabriqués sur place.
À la guitare électrique, Simon Angell que l’on a pu apprécier aux côtés du talentueux Patrick Watson, a été mon coup de cœur du spectacle. Par moment, le son lent mais intense qu’il livre nous rappelle d’ailleurs l’ambiance que l’on retrouve sur l’album Adventures in your own backyard de Patrick Watson.
Matt Holubowski lui laissait souvent la place pour des solos électriques très intéressants que l’on ne retrouve pas sur Solitudes. Ce fut principalement le cas sur la pièce La Mer/Mon père, sur laquelle j’ai fermé mes yeux à plusieurs reprises pour bien apprécier l’émotion de la pièce.
Je vous recommande fortement d’aller voir un spectacle de Matt Holubowski pour mieux comprendre ses créations musicales. Il nous livre ses chansons de façon généreuse en nous partageant le contexte de composition avant de la jouer. Comme il l’a fait pour la chanson Old man que l’on retrouve sur son premier album, Ogden, Old man. «C’est une chanson qui explique comment je me sentais à 22 ans».
Matt dégage une vieille âme et une sensibilité derrière ses créations folk de l’album Solitudes et c’est pourquoi l’album est excellent. Je dirais tout de même qu’il occasionne encore plus d’émotions en spectacle. Se laissant emporter par moments avec ses musiciens, mais également en ajoutant une légère agressivité dans sa douce voix, ce qui a charmé les spectateurs.
Après avoir joué The King et Opprobium, nous avons eu l’exclusivité d’une chanson qui n’est pas sur l’album, mais que Matt espère ajouter à son prochain. Écrite dans le camp de chasse d’un ami de la région, la pièce Fuite d’eau, qui nous répète les mots «Je ne suis pas imperméable», nous donne envie d’être en forêt, accompagnés d’êtres chers et de savourer des moments de simplicité.
Il a terminé le spectacle avec la pièce l’Imposteur, qu’il a décrite comme sa chanson la plus personnelle, ainsi que Wild Drums où je me suis laissée séduire par son accompagnement à l’harmonica.
Les chansons du spectacle ont été livrées dans le même ordre que l’album, c’est pourquoi il a terminé avec les pièces Undone et Solitudes en rappel. Durant Undone Matt a laissé la scène à ses musiciens en ayant que sa voix comme instrument. Dès les premiers accords de Solitudes, un silence parfait s’installa dans la salle car les auditeurs se laissaient guider par les mélodies acoustiques d’une pièce que je qualifierais de magique. C’est également ce qualificatif que j’utiliserais si je devais décrire ce spectacle en un seul mot.
Je vous présente les photos prises par notre photographe Alex Deschênes qui décrivent assez bien l’ambiance du spectacle.
Peu après la sortie de son nouvel albumRoyal Réguine,la gang de Québec Redneck Bluegrass Project s’est arrêtée faire le party avec leurs fans trifluviens le 17 décembre dernier au fameuxNord-Ouest Café.
Québec Redneck nous a offert avant les vacances du temps des fêtes une tournée de lancement de 10 spectacles à travers le Québec qui promettait beaucoup. Il est évident que chaque spectacle est pour eux une autre soirée dite debrosse.
Déjà très tôt avant le spectacle, la fébrilité de la foule du Nord-Ouest se ressentait par l’esprit festif et les pichets de bières qui coulaient à flot. À mon arrivée, vers 21h00, la masse se faisait entendre en criant «Québec Redneck !» à plusieurs reprises.
Le groupe a proclamé son envie de boire même à travers ses interventions : « On n’est pas pressé, on va boire toute la veillée !» a mentionné le chanteur JP Tremblay, aliasle Pad,en début de spectacle.
Ils ont fait honneur à leur chanson d’une durée de 15 minutes,J’chie des arc-en-ciel,qu’ils ont adaptée en formule spectacle. Déjà deux semaines après la sortie du nouvel album la salle chantait à tue-tête les textes de cette pièce sans refrain.
Durant l’entracte, le groupe s’est mêlé à la foule, principalement le contrebassiste François Goudreault qui discutait sympathiquement avec les gens.
Bien ancrées dans les racines québécoises, leurs chansons aux paroles festives peuvent parfois être plus sombres et cacher une belle sensibilité derrière un langage plus familier qui rappelle le joual d’autrefois. Le meilleur exemple est selon moi leur dernier extrait du 4ealbum; Ostie d’orqu’ils ont joué, à ma grande surprise, en rappel.
Le « folk sale » s’est fait connaître avec la montée des festivals folk au Québec. On parle principalement du Folk Sale de Saint-Rose-du-Nord au Saguenay, qui réunissait dans sa programmation plusieurs groupes issus de ce style. On y retrouvait notamment : Bernard Adamus,Canaille,Les chiens de ruellesetRobert Fusil et les chiens fous. Ces figures de la scène folk québécoise rassemblent souvent dans leurs spectacles le même public un peu marginal qui s’identifie à leur musique contestatrice. Dans une entrevue précédente que j’ai lu, Nicolas Laflamme que l’on retrouve au banjo et à la mandoline de Québec Redneck, critiquait d’ailleurs l’appellation « folk sale». À mon avis, ce terme décrit simplement le mouvement identitaire entourant certaines branches de la musique folk du Québec d’aujourd’hui, plutôt que le style musical en soi.
Pour revoir Québec Redneck Bluegrass Project il faudra être patient, car ils nous laissent avec un nouvel album et une année sabbatique. Nous pourrons les revoir en 2018 avec de nouveaux projets. D’ici-là je vous invite à aller découvrir Les Chiens de Ruelles le27 janvierprochain en première partie de Dylan Perron et Élixir de Gumbo. L’événement se déroule également au Nord-Ouest et vous permettra d’étancher votre soif de « folk sale ». Voici les photos de Québec Redneck Bluesgrass Project lors de leur dernier passage au Cercle de Québec le 10 septembre dernier.
C’est en ce beau vendredi 14 octobre que je me suis rendue au Café-Bar Zénob en croyant entendre seulement le groupe Mon Doux Saigneur, que j’ai eu la chance de découvrir lors des Francouvertes 2016, mais ils avaient invité Olivier Bélisle pour assurer leur première partie. C’est toujours un plaisir d’assister à des spectacles à cet endroit, car on y fait souvent des découvertes et il y a des invités qui arrivent à la dernière minute, ce que j’apprécie.
Voix très rauque, look rappelant Les colocs et Bernard Adamus, une guitare acoustique seulement pour s’accompagner, on se croyait presque autour d’un feu en sa compagnie. J’ai été charmée par la sensibilité qu’Olivier Bélisle laissait deviner à travers ses chansons, malgré les teintes d’humour dans ses textes et dans sa façon de se présenter. C’est avec une aisance combinée à une certaine timidité qu’Olivier a fait découvrir ses belles pièces folks à l’ensemble des personnes présentes au Zénob.
Mon Doux Saigneur a foulé les planches du Zénob par la suite. En premier lieu, ce groupe, c’était un pseudonyme pour Emerik St-Cyr lorsqu’il a commencé, mais le projet se concrétisant, il a conservé le pseudonyme pour le groupe auquel s’est greffé David Marchand, Elliot Durocher et Étienne Dupré.
Le quatuor possède un beau son folk qui groove beaucoup et on apprécie les moments ou David Marchand joue du lapsteel. Les textes d’Émerik sont souvent porteurs des moments difficiles qu’il a vécus, mais la manière de les livrer ne le laisse pas nécessairement transparaître. La musique a des fibres folks et indie beaucoup, mais quand Emerik chante, il a tellement de swag qu’on dirait pratiquement qu’il est en train de rapper ses chansons. C’est ce mélange que je trouve particulièrement intéressant et que j’aime découvrir à chaque fois. Semblerait-il que ses textes ne sont pas toujours tout à fait identiques à chaque représentation, et que l’auteur-compositeur-interprète y aille de quelques improvisations. Néanmoins, on sent que la musique est pour Emerik un exutoire des expériences de vie passées. Avec un nom de groupe comme Mon Doux Saigneur, on ne peut pas non plus s’attendre à du joyeux, avec ce que ça peut évoquer.
En plus de sa participation aux Francouvertes, concours vitrine qui lui a permis de participer à plusieurs festivals importants durant l’été, Mon Doux Saigneur soit Emerik St-Cyr en solo a participé aux auditions à l’aveugle de La Voix. Il n’a pas été retenu par aucun des quatre coachs, mais il a « brassé la cabane » et n’est certainement pas passé inaperçu. Il est tout de même ressorti des Francouvertes avec une 2e place et plusieurs prix intéressants qui lui ont permis d’avoir des heures de studio et d’enregistrement pour du nouveau matériel.
Mon Doux Saigneur possède un EP de cinq chansons qui se nomme Mondouxsaigneur#1 datant d’avril 2015 ainsi qu’un simple « Le courant » sorti en juin 2016. L’ensemble de son œuvre rassemble des chansons aux paroles sensibles, actuelles et qui nous font plonger dans l’univers lent et quelque peu mélancolique d’Emerik St-Cyr et son groupe.
Voici les photos qu’a prit Jacques Boivin lors du Festival d’été de Québec le 8 Juillet dernier.
Safia Nolin est une artiste que nous suivons de près à Écoutedonc.ca, vous pouvez même le constater par les nombreuses critiques de spectacles qui ont été écrites auparavant sur le blogue. Évidemment, on ne pouvait s’empêcher encore une fois d’aller voir son spectacle, surtout qu’il s’agissait du deuxième spectacle depuis qu’elle a remporté le Félix « Révélation de l’année » au gala de l’ADISQ 2016. C’est donc dans une salle comble que Safia Nolin s’est produite jeudi dernier au Cercle, dans sa ville natale.
En montant sur scène, Safia a été accueillie avec une grosse dose d’amour. Elle était étonnée elle-même d’entendre tous ces cris et applaudissements. Fidèle à son humour sarcastique, elle a dit : « C’est intense ! […] je n’ai jamais vu autant de monde à mes shows ». Le fameux dicton : « Parlez-en en bien, parlez-en en mal, mais parlez-en » prend ici tout son sens. Avec la controverse concernant son niveau de langage et son habillement, son album s’est même retrouvé en tête du palmarès d’iTunes Canada. 😀
Son spectacle a débuté avec sa populaire chanson La laideur. Elle a enchaîné avec plusieurs autres succès de son unique album Limoilou (Ce matin, Technicolor, Valser à l’envers, etc.) Tout au long du spectacle, on pouvait y entendre la foule chanter en choeur. Un grand respect pour Safia régnait dans la salle de la part des spectateurs, ce soir-là.
Elle a ensuite interprété sa chanson Les excuses de façon acoustique. Elle a d’ailleurs demandé à la foule de fermer sa gueule pour que tout le monde puisse l’entendre. Cette dernière me pogne carrément dans les tripes, et je n’étais pas la seule puisque l’on pouvait entendre quelques reniflements de pleurs.
Elle a aussi interprété deux covers, juste parce qu’elle aime ça, Safia, les covers. On a pu entendre Ayoye, d’Offenbach et évidemment une chanson de Céline Dion (D’amour ou d’amitié), son idole, qu’elle a d’ailleurs pu rencontrer au gala de L’ADISQ. Elle a raconté quelques anecdotes : elle a trouvé ça weird que Céline lui dise : « Tu portes mon chandail sur ton coeur, et moi je porte une robe en coeur. », « Céline, elle est sur la puff » a-t-elle ajouté. Elle a aussi spécifié qu’elle lui avait dit deux fois qu’elle l’aimait.
Parlant du gala de l’ADISQ, elle n’est pas revenue sur ladite controverse en question. Elle a plutôt spécifié que Gerry Boulet, elle l’aime en criss.
N’aimant pas les rappels, Safia a dit à la foule qu’elle n’en ferait tout simplement pas, qu’on avait seulement à s’imaginer qu’il se passait à ce moment X là. Elle a terminé son spectacle sur les airs de Noël partout, pour se mettre un peu dans l’ambiance des fêtes : « Noël partout, sauf chez nous ».
Depuis quelques années, on peut remarquer évidemment remarquer une meilleure aisance sur scène qu’à ses débuts. Quoi qu’il en soit, les spectacles de Safia Nolin demeureront en quelque sorte toujours intimes. La chanteuse est près de son public.
Merci d’être toi, Safia !
Première partie : Beyries
L’auteure-compositrice-interprète montréalaise Beyries s’est chargée d’assurer la première partie de la soirée avec brio. Accompagnée de sa choriste et percussionniste, elle a interprété plusieurs des chansons de son tout récent EP. On a d’ailleurs pu entendre J’aurai 100 ans, chanson en collaboration avec Maxime Laflaguais et Louis-Jean Cormier. Cette dernière a même été sacrée découverte du mois de novembre par plusieurs stations de radio francophones. Beyries a aussi joué Soldier, pièce qui lui a permis d’être remarquée. Je suis complètement tombée sous le charme de sa douce voix. Tout comme Safia Nolin, elle a su me toucher droit au coeur. De plus, elle avait une excellente maîtrise de ses instruments, que ce soit avec sa guitare ou avec son piano. J’ai d’ailleurs particulièrement aimé qu’elle interprète autant des chansons acoustiques avec sa guitare qu’avec son piano. Beyries est une artiste qui gagne certainement à être connue. Bonsound, sa maison de disque, sera amplement la mener au sommet, tout comme elle l’a fait avec Safia Nolin.
C’est avec l’arrivée du froid que ChassePareil, un groupe inspiré des grands décors du Saguenay, vient nous réchauffer avec la sortie de leur premier album « Les oiseaux d’hiver ».
Qui aurait pu penser qu’un groupe composé de cinq jeunes adultes de la vingtaine inspirerait un retour aux racines culturelles québécoises avec un style folklorique bien à eux. C’est au travers de paroles rustiques et une diversité instrumentale que ChassePareil nous accroche en mélangeant tradition et modernité. La tradition se ressent notamment à l’écoute des harmonies entre la flûte traversière de Johanie Tremblay et la mandoline d’Ovide Coudé qui suscite chez l’auditeur un sentiment d’appartenance envers notre culture. Ce côté traditionnel se réfère beaucoup à un style ancien, voire d’inspiration du Moyen Âge, lorsqu’Alexandrine Rodrigue s’emporte dans un solo de guitare acoustique.
D’un autre côté, les compositions reflètent une modernité en abordant des concepts issus des réalités de la jeunesse d’aujourd’hui.
Dans la chanson Aéroport, l’amour passager est abordé, thème qui est très récurant chez la génération Y.
«Je te prends pour un aéroport
Je décolle de toi pis après je reviens
J’atterris chez toi.»
Il y a aussi les pièces Les moissons et Incarnation où l’on sent qu’ils ont toujours un lien d’attachement à leur Saguenay d’origine. On peut ressentir cet attachement dans le vocabulaire choisi dans Les moissons qui se caractérise par des expressions typiques de la région et des pensées qui se rattachent à la nature.
« Viens marcher avec moi
Le Fjord est triste à soir
Et si t’as peur dans le noir
J’ai des chandelles dans ma froque On fera peur au pick up En criant comme des buck Pis on dormira dans le lit de la rivière. »
L’attachement se remarque aussi dans les références à leur expérience vécues de la grande ville de Montréal dans Berceuses pour les oiseaux d’hiver ou l’on perçoit une exile involontaire.
«Taurais du rester dans ton bois chez vous
Montréal craque sous les roues du bicycle.»
«Tu t’en vas hiberner dans le métro pis ça sera ta tanière.»
Autre modernité derrière le style traditionnel est le timbre de musique du monde que l’on retrouve dans les percussions de Pascal Gagnon-Gilbert dans l’intro, Petite ourse, ainsi que Peau d’âne. Ce mélange ethnique se repère également dans la Grande ourse avec des inspirations du Moyen Orient. La voix du contrebassiste Pierre-Antoine dans cette pièce est particulière et calme sur un ton linéaire.
ChassePareil donne envie de se ressourcer, de faire une pause du rythme quotidien, de se retrouver en famille, de partir vers le chalet. Personnellement, c’est le genre d’album que j’écouterais en plein temps des fêtes en buvant du thé des bois au bord du foyer pendant que ma mère cuisine de la soupe aux pois (qui a dit que c’était seulement Mon beau sapin pis les chansons qui évoque le Christ qui inspirait Noël ?).
Pour ma part, je ressens une mélodie familière entre chaque chanson qui me fait parfois décrocher avant la fin de l’album. Je crois que ChassePareil peut exploiter une diversité d’instruments, mais on peut constater que la flûte et la mandoline sont plus appréciées par les musiciens. C’est pour cette raison que la chanson Bourgeonne me rejoint, car l’harmonica et la trompette font ressortir des tonalités plus jazz que traditionnelles.
Aussi, leur nouvelle chanson Kyrie me rappelle les airs instrumentaux de la sommité de la musique québécoise, Harmonium, groupe qui a sans doute influencé l’orientation musical de ChassePareil.
C’est dans le petit village de Sainte-Rose-du-Nord, aux abords du Fjord, que le groupe a pris son inspiration en réalisant l’album dans un décor naturel d’hiver. Les oiseaux d’hiver a été enregistré dans le garage d’Ovide. C’est peut-être pour cette raison que la musique provoque un sentiment de proximité, du bien-être à la maison.
Auparavant sous le nom de SweetGrass, ChassePareil a célébré son lancement dans sa région, mais également à la fameuse Auberge de Jeunesse de Tadoussac samedi dernier. L’album est maintenant disponible depuis le 13 octobre sur bandcamp. Bonne écoute !
Si on se fie à la foule massée près de la petite scène de L’Anti Bar et spectacles jeudi dernier, la visite de KROY, alias Camille Poliquin, était fort attendue. La jeune femme vient tout juste de lancer un joli premier album intitulé Scavenger, une proposition promise à un bel avenir autant ici qu’à l’étranger.
Accompagnée de deux musiciens, Poliquin s’installe derrière sa quincaillerie, qu’elle ne quittera qu’à la fin du concert. La bande est entourée de petits poteaux qui forment ensemble un système d’éclairage sophistiqué tout en conservant un caractère intimiste. Pas besoin de plus, nous sommes là pour écouter. De toute façon, c’est pas comme si Camille allait se mettre à faire des chorégraphies à la Beyoncé.
Dès les premières notes de Hull, qui commence également l’album, les spectateurs se taisent et ouvrent grands leurs yeux et leurs oreilles. Sur Bones, on commence à taper joyeusement du pied. Sur scène, le trio prend son pied, Poliquin chante ses airs tristes avec un sourire fendu jusqu’aux oreilles.
Toutes les fois que j’ai croisé Poliquin (avec KROY, Milk and Bone et autres), j’ai eu la même réflexion : Quelle voix! Douce, cristalline, juste, une voix de petite fille qui raconte des histoires un brin macabres. Et sur Stay, Poliquin réussit sur scène à faire ce qu’elle fait si bien sur disque : nous faire planer et nous préparer à la très trip-hop Days et son groove langoureux.
Poliquin glisse quelques mots çà et là entre les chansons avec une chaleur qui détonne avec la froideur de la musique. Elle nous présente ses musiciens (Guillaume Guilbault, fidèle au poste aux claviers, et Charles Blondeau, véritable métronome à la batterie), avec qui elle a déjà beaucoup de plaisir (nous n’en sommes qu’au deuxième concert de ce cycle, après tout).
Fallait s’y attendre, KROY n’a pas une grosse discographie et après près d’une heure, tout était déjà terminé. On en aurait tellement pris davantage! On se reprendra à son retour. Et en attendant, on pourra se rabattre sur la venue de Milk and Bone au Cercle en décembre prochain.
Scavenger est disponible dès maintenant sur vos plateformes et chez vos disquaires préférés.
Ego Death
Quelle belle idée que de programmer Joey Proteau (et frangin Jesse, dont on va vous parler très bientôt) et son projet Ego Death avant KROY! À première vue, on aurait pu croire que le folk très intimiste d’Ego Death s’éloignerait trop de la pop électro de KROY, mais non, au contraire, ce sont deux univers qui se sont complétés à merveille.
Les voix douces des deux frères Proteau créent ensemble de magnifiques harmonies accompagnées de guitares totalement au service des mots. On n’a qu’une envie : écouter ce que Proteau a à dire et souhaiter une suite à Grief, un EP aussi court qu’excellent (vous comprendrez que je le trouve trop court). Ce fut sûrement une belle découverte pour plusieurs.
Les amateurs de musique folk auront un festin auditif à offrir à leurs tympans ce jeudi 22 septembre au Cercle. Cette Folk Night accueillera pas moins de sept artistes/groupes tout au long de la soirée : Scarlett Jane, Timothy Luke Dawson, Val Thomas, Josué Beaucage, Jérôme Saint-Kant, Alex Fortin et Cold Folks ont été confirmés!
Les portes ouvrent à 19 heures, les prestations commencent dès 20 heures! Les billets sont 12 $ en prévente et 15 $ à la porte.
TIRAGE : Arté Boréal nous a offert une paire de billets à faire tirer parmi nos lecteurs. Pour participer, rendez-vous sur notre page Facebook!
C’est inspiré par les paysages nordiques que le groupe saguenéen Chassepareil (anciennement Sweet Grass) nous a, semble-t-il, concocté un album qu’on a très hâte d’ouïr !
Paraîtrait que c’est à Ste-Rose-du-Nord que ces oisillons sont allés puiser leur inspiration pour la partie composition de l’album, alors que l’enregistrement s’est déroulé à l’Anse St-Jean, au studio Hors-Piste. Si les chansons sur l’album sont aussi magnifiques que ces endroits qui ont abrité leur couvaison, on a de quoi s’attendre à un petit bijou d’exaltation folk !
Le groupe a lancé il y a quelques jours une campagne de financement via le site web indigogo.com afin de financer la production de l’album. Vous pouvez consulter la page de la campagne ici :
La sortie de l’album est prévue pour le 13 octobre prochain.
Dates du lancement :
1er octobre, auberge aventure rose des vents à Sainte-Rose-du-Nord
13 octobre, lancement officiel au côté-cour de Jonquière
5 novembre au lion d’or à Montréal.
Chantal Archambault m’inspire. Parce que ses créations réussissent à se frayer un chemin jusqu’à mon cœur et à y laisser une petite trace. Mais surtout parce qu’elle incarne tellement de belles choses : la joie de vivre, la liberté, la simplicité, la sincérité. Il y a quelques jours, elle dévoilait cinq douces compositions réunies sur un EP réconfortant. Avec À hauteur d’homme, elle fait vibrer des cordes sensibles avec délicatesse et justesse, tout en explorant de nouveaux sentiers mélodiques. Mot par mot, note par note, elle libère des émotions que les hommes gardent, encore aujourd’hui, trop souvent prisonnières.
Au cœur du trafic de la rue St-Jean, on jase au bord de la fenêtre d’un café. Il fait chaud, il fait beau et l’auteure-compositrice-interprète assise devant moi rend cette matinée encore plus lumineuse. Des étoiles dans les yeux, le rire contagieux et l’esprit grand ouvert, Chantal me parle des muses masculines derrière ses plus récentes créations, raconte ses expérimentations sonores, révèle la signification profonde de ses textes et partage, en toute humilité, sa vision tellement rafraîchissante de la vie, de notre société. À la suite de notre rencontre, j’avais juste envie de clamer haut et fort : «Chantal for president, câline de bine!»
Les sentiments des hommes
«Y’a des gars qui m’ont remerciée de certaines chansons parce qu’ils se sont reconnus pis qu’ils m’ont dit que ça faisait du bien qu’on parle de ça, qu’on parle des hommes. C’est encore, on dirait, un peu tabou. C’est fascinant… c’est vraiment fascinant», lance la Valdorienne avec stupéfaction.
L’artiste a observé que les sentiments des hommes étaient au cœur de plusieurs discussions avec ses amies. «On se rendait compte que nous, quand ça va pas, on en parle d’emblée, mais qu’il fallait beaucoup tirer les vers du nez aux gars dans des périodes où ça allait moins bien pour justement les faire cheminer là-dedans pis peut-être les amener à être plus en harmonie avec ce qu’ils vivaient», ajoute-t-elle.
À hauteur d’homme, c’est le rassemblement de vraies émotions, de véritables histoires que Chantal a couchées sur papier et transposées en musique. L’inspiration était partout autour d’elle. «C’est pas nécessairement des hommes qui ont croisé ma vie, mais qui ont croisé la vie d’amies proches, de mes chums de filles. Oui, il y a des hommes qui ont croisé ma vie là-dedans, mais c’était moins journal intime que ça l’a déjà été», souligne-t-elle. «Je peux aussi coller ces chansons-là à mon vécu. On est des êtres humains pis on se ressemble tous, on est tous un peu ensemble là-dedans. On vit tous un peu les mêmes émotions à certains moments de notre vie.»
Pourquoi écrire ces pièces maintenant ? «Mon père est tombé malade. J’ai eu vraiment comme un gros coup, pis souvent, c’est à travers ces émotions-là que je puise pour aller créer des chansons. J’avais un peu un petit filon pis je trouvais que les hommes, y’avait quelque chose à aller chercher là-dedans. Je le vivais aussi proche de moi, personnellement. J’ai trouvé que j’avais probablement un fil conducteur donc j’ai décidé de construire autour de ça.»
« T’as mis des dos d’âne en avant de ton cœur »
La première chanson qu’elle a écrite, Dos d’âne, parle d’un de ses amis qui éprouvait de la difficulté à s’abandonner dans une relation. «L’image m’est venue des dos d’âne. Pis j’avais ce témoignage de mon ami. Il s’est laissé aller pour la première fois depuis longtemps dans la relation pis ça a tellement porté fruit de façon incroyable. Il s’est passé de très très belles choses. Ça m’avait vraiment inspirée pour cette chanson-là», se rappelle Chantal.
« Tu comprends pas / Tu restes là / Tes sentiments comme des corps étrangers »
La pièce Corps étrangers,quant à elle, est inspirée d’un ami qui n’était pas épanoui au travail. «Il a dû faire des constats au niveau plus professionnel, il ne se réalisait pas. Ça l’a mené à des problèmes de santé pis une dépression. Tout ça, ce n’est pas triste en soi parce que ça l’a amené à faire une thérapie pis finalement aujourd’hui, il est plus en harmonie avec ce qu’il fait pis il s’est réorienté», explique l’auteure-compositrice-interprète.
«C’est dans les moments de crise comme ça où tu ne reconnais plus la personne pis y’a toutes sortes de réactions qui ressortent de ça pis c’est pas nécessairement si clair pour les hommes que des fois ça l’est pour les filles. Je sais pas pourquoi. Ça dépend des hommes, je veux pas catégoriser, ni généraliser.»
« Tu valses autour de plus d’un feu de joie à la fois / Je te vois, je te vois »
La pièce-titre du EP, À hauteur d’homme, traite «du désir d’aller voir ailleurs». «On peut penser un peu à de l’infidélité mais y’a tout ce désir-là extraconjugal», précise la musicienne. Entre les lignes, il y a aussi un message d’écoute de l’autre.
«Je dis beaucoup »je te vois ». Autant que dans la vie, on sent ces choses-là, tu sais quand on sent que l’autre est peut-être moins dans la relation. Mais y’a aussi je te reconnais dans le »je te vois ». Il faut être capable de reconnaître ces besoins-là de la part de l’autre pis l’autre doit être capable de reconnaître qu’il en est là dans sa relation pis qu’il doit t’en parler aussi. C’est toute une part de se reconnaître, se comprendre là-dedans pis s’accepter dans le fond.»
« Laisse-moi croire que l’on pourrait s’aimer / Sans camouflage, sans sparages, rien à prouver / Sans la peur de se faire voir / Au premier étage, à l’état sauvage, nu de vérité »
Lorsque je demande à Chantal quelles sont ses paroles préférées sur le EP, c’est après une brève hésitation, qu’elle me répond ceci : «Dans Le jeu des accroires, je parle beaucoup de trouver sa vérité. Je trouve que c’est quand même un espèce de petit portrait de notre société de tenter de se sortir de ce monde d’image, de tenter de se reconnecter vraiment plus vers qui on est», résume-t-elle. «Je parle du fait de ne pas se mettre de maquillage pis pas se mettre de camouflage, mais c’est aussi dans l’attitude, tu sais.»
Vient ensuite une question tout à fait légitime, une de celles qui font réfléchir. «Pourquoi on ne se sourirait pas plus ?», pose simplement l’artiste. «Des fois, les gens dans leur gêne face aux autres vont se fermer pis vont être des fois méprisants ou vont moins aller vers les autres, vont se confiner dans un statut qui, peut-être pour eux, veut dire qu’ils sont au-dessus de nous par leur froideur ou leur attitude un peu plus fermée».
Quand je vous dis que cette femme est inspirante, la suite de sa réflexion en témoigne particulièrement bien. «Je trouve qu’il y a tellement à gagner que de s’ouvrir pis d’être vrai. Pis si j’ai envie de rire fort, je vais rire fort. Pis si j’ai envie de danser dans un show pis d’avoir l’air folle, j’aime mieux ça que rester stoïque à avoir l’air de pas tripper sur ce qui se passe en avant de moi», exprime-t-elle. «Y’a tout un espèce de lâcher son fou que je trouve qu’on a perdu au Québec. Quand tu t’en vas justement dans des endroits comme New Orleans, tu vois les gens se parler, les gens danser, les gens être libres de leur corps.»
«Y’avait toute une quête de vérité qui transparaît un peu dans Le jeu des accroires. On se fait croire qu’on va bien, qu’on est bien, qu’on est au-dessus de tout ça, mais, finalement, on se met plein de contraintes pis on n’est pas nécessairement plus libres ou plus en harmonie avec la vraie affaire. Cette chanson-là, c’était comme un petit cri du cœur de recherche de cette vérité brute», conclut la chanteuse.
Cette vérité, Chantal l’a un peu trouvée à la campagne où elle s’est installée avec son amoureux, le musicien Michel-Olivier Gasse. «On est vraiment dans le retour aux vraies affaires pis tout le reste on s’en balance vraiment. On est vraiment plus relax pis ça fait vraiment du bien d’être plus en contact avec les gens, le temps, le fait d’avoir moins, de vivre dans la simplicité volontaire plus.»
De nouvelles avenues musicales
Au départ, la sortie d’un EP n’était pas dans les plans. C’est l’octroi d’une bourse en recherche et création du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) qui a permis à Archambault de fixer les pièces sur support matériel pour qu’elles se rendent jusqu’à nos oreilles. «C’est grâce à cette bourse que j’ai pu me payer le luxe d’aller travailler avec quelqu’un qui allait pouvoir enrichir mes chansons. J’avais vraiment envie de me challenger un peu», explique-t-elle.
En effet, Chantal est allée chercher le réalisateur Alex McMahon pour amener ses compositions plus loin. «Il travaillait avec des gens qui ont un univers quand même différent : Ariane Moffatt, Alex Nevsky, Yann Perreau, … Tout le monde me disait que c’était un amour! J’aime beaucoup tomber en amour au niveau professionnel pis dans la vie. Je n’ai vraiment pas été déçue. C’est un gars super sensible pis tellement talentueux. Y’a su garder l’essence pis la nature de ce que je fais», assure l’auteure-compositrice-interprète.
Les chansons ont été enregistrées en quatre jours dans le studio de McMahon avec les musiciens Michel-Olivier Gasse à la basse, Guillaume Bourque à la guitare et Myëlle pour quelques accompagnements vocaux. «C’est le studio LGROS !», dit Chantal en riant. «Vu que j’ai aimé beaucoup le résultat, j’ai dit ok faut faire un EP. Pis un EP de quatre tounes, ben c’est court. J’ai dit je vais me payer une cinquième journée. On a enregistré une cinquième chanson (On veillera le feu) pis on a peaufiné les arrangements des quatre autres.»
«Y’a tellement de machines dans son studio, c’est complètement étranger à mon cheminement. C’est un vocabulaire et un registre que je ne connais pas pis ça me faisait ben tripper de le voir travailler avec ça aussi habilement pis rapidement. Je n’en revenais pas du cheminement que mes chansons pouvaient faire», lance-t-elle. Elle cite l’exemple des arrangements qu’on peut entendre sur la pièce À hauteur d’homme : «Je parle des oiseaux. Alex s’est dit je pourrais tenter d’aller chercher des petits sons, quelque chose de très aérien, qui vole. Y’a créé un son qui pouvait peut-être s’apparenter à ça. Ça m’a beaucoup impressionnée tout cet aspect-là.»
Pour succéder aux sonorités country-folk qui teintaient ses oeuvres précédentes, Archambault avait envie d’avoir un son un peu différent, qui marquera peut-être une transition dans son répertoire solo. «C’était vraiment un champ d’exploration pour voir où ça allait m’amener pis j’aime vraiment le résultat. Je pense que je me dirigerais peut-être un peu vers ça s’il y a un autre album éventuellement. […] C’est peut-être juste une tranche de vie, je n’ai aucune idée. Y’a des horizons qui peuvent s’ouvrir pis on peut aller ailleurs aussi.»
Le naturel revient au galop
Bien que la musicienne souhaite explorer et sortir de sa zone de confort, c’est essentiel pour elle de conserver ses racines folks. «Je veux les garder parce que c’est comme ça que je crée. C’est ce à quoi les gens qui me suivent depuis le début sont attachés. Je ne veux pas dénaturer ça parce que je ne veux pas non plus ne plus avoir envie de chanter mes anciennes chansons parce qu’elles s’harmonisent moins avec mon nouveau son», mentionne-t-elle.
Son amour pour le folk lui vient probablement de sa famille. «Ma mère écoutait beaucoup de Johnny Cash. Je me souviens que j’avais quelques mois et mes oncles et tantes avec ma mère s’amusaient à mettre une certaine musique pis à switcher au Johnny Cash. Aussitôt que j’entendais le Johnny Cash, je réagissais d’une façon particulière», indique Chantal.
Aujourd’hui, l’artiste écoute beaucoup de musique québécoise. «Je trouve qu’on a une espèce de belle culture pis y’a des femmes qui écrivent vraiment bien. Y’a vraiment un monde d’auteures-compositrices-interprètes vraiment stimulant au Québec pis je trippe vraiment sur les filles de ma génération qui écrivent. Je pense à Amylie qui vient de sortir, à Chloé Lacasse, à Mara (Tremblay), …»
Chez elle, c’est son amoureux qui s’occupe de l’ambiance sonore. «Mon chum a une collection de vinyles. C’est un espèce de geek qui met toujours la musique le matin, c’est vraiment le DJ de la maison», affirme-t-elle. «On dirait que je me laisse un peu porter parce ce qu’il va mettre. C’est très varié : ça peut aller de la musique américaine à du piano, du vieux blues, du vieux jazz.»
Visage à une face
En discutant avec elle, j’ai l’impression de la connaître. J’ai le sentiment qu’il n’existe presque pas, sinon aucune distance entre Chantal l’auteure-compositrice-interprète et Chantal au quotidien, celle qu’on pourrait croiser à l’épicerie du coin. Même si je me doute déjà de la réponse, je lui demande si c’est important pour elle d’être aussi transparente dans son art. «Oui, vraiment», me répond-elle d’emblée.
«Ce que je fais, c’est ce que je suis. What you see is what you get. Pis c’est la même affaire avec Saratoga (son duo avec Michel-Olivier Gasse). On est vraiment dans une dynamique de vérité. Quand tu viens voir le show, t’as accès à nous pis on joue pas de game», assure-t-elle.
Elle croit que cette proximité, entre l’artiste et l’humaine qu’elle est, contribue à faire tomber les barrières et à renforcer le lien privilégié qu’elle entretient avec son public. «Je me suis rendue compte, surtout avec la tournée de Saratoga, que y’a vraiment beaucoup de monde qui trippe sur ce que je fais, mais qui trippe fort, pis ça, ça m’impressionne beaucoup. Probablement à cause de cette vérité-là, c’est allé chercher les gens dans des endroits très précis de leur vie pis de leurs émotions», estime-t-elle.
«C’est peut-être à cause de ça que j’ai des personnes qui me suivent assez fidèlement pis qui ont vraiment été touchées par ce que j’écrivais et qu’elles se sentent à l’aise de me le dire. Y’a ça aussi. Quand t’es intimidé par la personne, tu te coupes de plein de rencontres.»
Justement, ne vous coupez surtout pas d’une rencontre avec Chantal. Elle est plus que sympathique donc, si jamais vous la croisez, allez lui jaser ça. Je peux vous dire qu’elle m’a apporté beaucoup et je la remercie pour ça.
La formation indie folk originaire de Québec qui s’est fait connaître sous le nom Harfang vient tout juste de dévoiler son nouveau single. La pièce, intitulée «Flatline», se trouve à être une composition transitoire entre Flood, paru il y a un peu plus d’un an, et le prochain album complet, que le groupe prévoit publier au début 2017.
« Flatline » explore le thème du deuil comme un passage salutaire. La pièce est dévoilée en même temps qu’un magnifique clip qui la met en images. Pensé comme un court-métrage musical, le clip qui offre, outre la pièce, une introduction cinématographique, présente la mort comme élément central et fixe la nature intouchable de celle-ci dans un assemblage d’animations tridimensionnelles et de scènes parfois dramatiques, parfois contemplatives.
Pour l’expérience audio-visuelle complète:
Pour écouter la pièce sans les images:
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