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    [ENTREVUE] Chantal Archambault

    Chantal Archambault m’inspire. Parce que ses créations réussissent à se frayer un chemin jusqu’à mon cœur et à y laisser une petite trace. Mais surtout parce qu’elle incarne tellement de belles choses : la joie de vivre, la liberté, la simplicité, la sincérité. Il y a quelques jours, elle dévoilait cinq douces compositions réunies sur un EP réconfortant. Avec À hauteur d’homme, elle fait vibrer des cordes sensibles avec délicatesse et justesse, tout en explorant de nouveaux sentiers mélodiques. Mot par mot, note par note, elle libère des émotions que les hommes gardent, encore aujourd’hui, trop souvent prisonnières.

    Au cœur du trafic de la rue St-Jean, on jase au bord de la fenêtre d’un café. Il fait chaud, il fait beau et l’auteure-compositrice-interprète assise devant moi rend cette matinée encore plus lumineuse. Des étoiles dans les yeux, le rire contagieux et l’esprit grand ouvert, Chantal me parle des muses masculines derrière ses plus récentes créations, raconte ses expérimentations sonores, révèle la signification profonde de ses textes et partage, en toute humilité, sa vision tellement rafraîchissante de la vie, de notre société. À la suite de notre rencontre, j’avais juste envie de clamer haut et fort : «Chantal for president, câline de bine!»

    Les sentiments des hommes

    «Y’a des gars qui m’ont remerciée de certaines chansons parce qu’ils se sont reconnus pis qu’ils m’ont dit que ça faisait du bien qu’on parle de ça, qu’on parle des hommes. C’est encore, on dirait, un peu tabou. C’est fascinant… c’est vraiment fascinant», lance la Valdorienne avec stupéfaction.

    L’artiste a observé que les sentiments des hommes étaient au cœur de plusieurs discussions avec ses amies. «On se rendait compte que nous, quand ça va pas, on en parle d’emblée, mais qu’il fallait beaucoup tirer les vers du nez aux gars dans des périodes où ça allait moins bien pour justement les faire cheminer là-dedans pis peut-être les amener à être plus en harmonie avec ce qu’ils vivaient», ajoute-t-elle.

    À hauteur d’homme, c’est le rassemblement de vraies émotions, de véritables histoires que Chantal a couchées sur papier et transposées en musique. L’inspiration était partout autour d’elle. «C’est pas nécessairement des hommes qui ont croisé ma vie, mais qui ont croisé la vie d’amies proches, de mes chums de filles. Oui, il y a des hommes qui ont croisé ma vie là-dedans, mais c’était moins journal intime que ça l’a déjà été», souligne-t-elle. «Je peux aussi coller ces chansons-là à mon vécu. On est des êtres humains pis on se ressemble tous, on est tous un peu ensemble là-dedans. On vit tous un peu les mêmes émotions à certains moments de notre vie.»

    Pourquoi écrire ces pièces maintenant ? «Mon père est tombé malade. J’ai eu vraiment comme un gros coup, pis souvent, c’est à travers ces émotions-là que je puise pour aller créer des chansons. J’avais un peu un petit filon pis je trouvais que les hommes, y’avait quelque chose à aller chercher là-dedans. Je le vivais aussi proche de moi, personnellement. J’ai trouvé que j’avais probablement un fil conducteur donc j’ai décidé de construire autour de ça.»

    « T’as mis des dos d’âne en avant de ton cœur »

    La première chanson qu’elle a écrite, Dos d’âne, parle d’un de ses amis qui éprouvait de la difficulté à s’abandonner dans une relation. «L’image m’est venue des dos d’âne. Pis j’avais ce témoignage de mon ami. Il s’est laissé aller pour la première fois depuis longtemps dans la relation pis ça a tellement porté fruit de façon incroyable. Il s’est passé de très très belles choses. Ça m’avait vraiment inspirée pour cette chanson-là», se rappelle Chantal.

    « Tu comprends pas / Tu restes là / Tes sentiments comme des corps étrangers »

    La pièce Corps étrangers, quant à elle, est inspirée d’un ami qui n’était pas épanoui au travail. «Il a dû faire des constats au niveau plus professionnel, il ne se réalisait pas. Ça l’a mené à des problèmes de santé pis une dépression. Tout ça, ce n’est pas triste en soi parce que ça l’a amené à faire une thérapie pis finalement aujourd’hui, il est plus en harmonie avec ce qu’il fait pis il s’est réorienté», explique l’auteure-compositrice-interprète.

    «C’est dans les moments de crise comme ça où tu ne reconnais plus la personne pis y’a toutes sortes de réactions qui ressortent de ça pis c’est pas nécessairement si clair pour les hommes que des fois ça l’est pour les filles. Je sais pas pourquoi. Ça dépend des hommes, je veux pas catégoriser, ni généraliser.»

    « Tu valses autour de plus d’un feu de joie à la fois / Je te vois, je te vois »

    La pièce-titre du EP, À hauteur d’homme, traite «du désir d’aller voir ailleurs». «On peut penser un peu à de l’infidélité mais y’a tout ce désir-là extraconjugal», précise la musicienne. Entre les lignes, il y a aussi un message d’écoute de l’autre.

    «Je dis beaucoup  »je te vois ». Autant que dans la vie, on sent ces choses-là, tu sais quand on sent que l’autre est peut-être moins dans la relation. Mais y’a aussi je te reconnais dans le  »je te vois ». Il faut être capable de reconnaître ces besoins-là de la part de l’autre pis l’autre doit être capable de reconnaître qu’il en est là dans sa relation pis qu’il doit t’en parler aussi. C’est toute une part de se reconnaître, se comprendre là-dedans pis s’accepter dans le fond.»

    « Laisse-moi croire que l’on pourrait s’aimer / Sans camouflage, sans sparages, rien à prouver / Sans la peur de se faire voir / Au premier étage, à l’état sauvage, nu de vérité »

    Lorsque je demande à Chantal quelles sont ses paroles préférées sur le EP, c’est après une brève hésitation, qu’elle me répond ceci : «Dans Le jeu des accroires, je parle beaucoup de trouver sa vérité. Je trouve que c’est quand même un espèce de petit portrait de notre société de tenter de se sortir de ce monde d’image, de tenter de se reconnecter vraiment plus vers qui on est», résume-t-elle. «Je parle du fait de ne pas se mettre de maquillage pis pas se mettre de camouflage, mais c’est aussi dans l’attitude, tu sais.»

    Vient ensuite une question tout à fait légitime, une de celles qui font réfléchir. «Pourquoi on ne se sourirait pas plus ?», pose simplement l’artiste. «Des fois, les gens dans leur gêne face aux autres vont se fermer pis vont être des fois méprisants ou vont moins aller vers les autres, vont se confiner dans un statut qui, peut-être pour eux, veut dire qu’ils sont au-dessus de nous par leur froideur ou leur attitude un peu plus fermée».

    Quand je vous dis que cette femme est inspirante, la suite de sa réflexion en témoigne particulièrement bien. «Je trouve qu’il y a tellement à gagner que de s’ouvrir pis d’être vrai. Pis si j’ai envie de rire fort, je vais rire fort. Pis si j’ai envie de danser dans un show pis d’avoir l’air folle, j’aime mieux ça que rester stoïque à avoir l’air de pas tripper sur ce qui se passe en avant de moi», exprime-t-elle. «Y’a tout un espèce de lâcher son fou que je trouve qu’on a perdu au Québec. Quand tu t’en vas justement dans des endroits comme New Orleans, tu vois les gens se parler, les gens danser, les gens être libres de leur corps.»

    «Y’avait toute une quête de vérité qui transparaît un peu dans Le jeu des accroires. On se fait croire qu’on va bien, qu’on est bien, qu’on est au-dessus de tout ça, mais, finalement, on se met plein de contraintes pis on n’est pas nécessairement plus libres ou plus en harmonie avec la vraie affaire. Cette chanson-là, c’était comme un petit cri du cœur de recherche de cette vérité brute», conclut la chanteuse.

    Cette vérité, Chantal l’a un peu trouvée à la campagne où elle s’est installée avec son amoureux, le musicien Michel-Olivier Gasse. «On est vraiment dans le retour aux vraies affaires pis tout le reste on s’en balance vraiment. On est vraiment plus relax pis ça fait vraiment du bien d’être plus en contact avec les gens, le temps, le fait d’avoir moins, de vivre dans la simplicité volontaire plus.»

    De nouvelles avenues musicales

    Graphisme : Geneviève Baril
    Graphisme : Geneviève Baril

    Au départ, la sortie d’un EP n’était pas dans les plans. C’est l’octroi d’une bourse en recherche et création du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ) qui a permis à Archambault de fixer les pièces sur support matériel pour qu’elles se rendent jusqu’à nos oreilles. «C’est grâce à cette bourse que j’ai pu me payer le luxe d’aller travailler avec quelqu’un qui allait pouvoir enrichir mes chansons. J’avais vraiment envie de me challenger un peu», explique-t-elle.

    En effet, Chantal est allée chercher le réalisateur Alex McMahon pour amener ses compositions plus loin. «Il travaillait avec des gens qui ont un univers quand même différent : Ariane Moffatt, Alex Nevsky, Yann Perreau, … Tout le monde me disait que c’était un amour! J’aime beaucoup tomber en amour au niveau professionnel pis dans la vie. Je n’ai vraiment pas été déçue. C’est un gars super sensible pis tellement talentueux. Y’a su garder l’essence pis la nature de ce que je fais», assure l’auteure-compositrice-interprète.

    Les chansons ont été enregistrées en quatre jours dans le studio de McMahon avec les musiciens Michel-Olivier Gasse à la basse, Guillaume Bourque à la guitare et Myëlle pour quelques accompagnements vocaux. «C’est le studio LGROS !», dit Chantal en riant. «Vu que j’ai aimé beaucoup le résultat, j’ai dit ok faut faire un EP. Pis un EP de quatre tounes, ben c’est court. J’ai dit je vais me payer une cinquième journée. On a enregistré une cinquième chanson (On veillera le feu) pis on a peaufiné les arrangements des quatre autres.»

    «Y’a tellement de machines dans son studio, c’est complètement étranger à mon cheminement. C’est un vocabulaire et un registre que je ne connais pas pis ça me faisait ben tripper de le voir travailler avec ça aussi habilement pis rapidement. Je n’en revenais pas du cheminement que mes chansons pouvaient faire», lance-t-elle. Elle cite l’exemple des arrangements qu’on peut entendre sur la pièce À hauteur d’homme : «Je parle des oiseaux. Alex s’est dit je pourrais tenter d’aller chercher des petits sons, quelque chose de très aérien, qui vole. Y’a créé un son qui pouvait peut-être s’apparenter à ça. Ça m’a beaucoup impressionnée tout cet aspect-là.»

    Pour succéder aux sonorités country-folk qui teintaient ses oeuvres précédentes, Archambault avait envie d’avoir un son un peu différent, qui marquera peut-être une transition dans son répertoire solo. «C’était vraiment un champ d’exploration pour voir où ça allait m’amener pis j’aime vraiment le résultat. Je pense que je me dirigerais peut-être un peu vers ça s’il y a un autre album éventuellement. […] C’est peut-être juste une tranche de vie, je n’ai aucune idée. Y’a des horizons qui peuvent s’ouvrir pis on peut aller ailleurs aussi.»

    Le naturel revient au galop

    Bien que la musicienne souhaite explorer et sortir de sa zone de confort, c’est essentiel pour elle de conserver ses racines folks. «Je veux les garder parce que c’est comme ça que je crée. C’est ce à quoi les gens qui me suivent depuis le début sont attachés. Je ne veux pas dénaturer ça parce que je ne veux pas non plus ne plus avoir envie de chanter mes anciennes chansons parce qu’elles s’harmonisent moins avec mon nouveau son», mentionne-t-elle.

    Son amour pour le folk lui vient probablement de sa famille. «Ma mère écoutait beaucoup de Johnny Cash. Je me souviens que j’avais quelques mois et mes oncles et tantes avec ma mère s’amusaient à mettre une certaine musique pis à switcher au Johnny Cash. Aussitôt que j’entendais le Johnny Cash, je réagissais d’une façon particulière», indique Chantal.

    Aujourd’hui, l’artiste écoute beaucoup de musique québécoise. «Je trouve qu’on a une espèce de belle culture pis y’a des femmes qui écrivent vraiment bien. Y’a vraiment un monde d’auteures-compositrices-interprètes vraiment stimulant au Québec pis je trippe vraiment sur les filles de ma génération qui écrivent. Je pense à Amylie qui vient de sortir, à Chloé Lacasse, à Mara (Tremblay), …»

    Chez elle, c’est son amoureux qui s’occupe de l’ambiance sonore. «Mon chum a une collection de vinyles. C’est un espèce de geek qui met toujours la musique le matin, c’est vraiment le DJ de la maison», affirme-t-elle. «On dirait que je me laisse un peu porter parce ce qu’il va mettre. C’est très varié : ça peut aller de la musique américaine à du piano, du vieux blues, du vieux jazz.»

    Visage à une face

    En discutant avec elle, j’ai l’impression de la connaître. J’ai le sentiment qu’il n’existe presque pas, sinon aucune distance entre Chantal l’auteure-compositrice-interprète et Chantal au quotidien, celle qu’on pourrait croiser à l’épicerie du coin. Même si je me doute déjà de la réponse, je lui demande si c’est important pour elle d’être aussi transparente dans son art. «Oui, vraiment», me répond-elle d’emblée.

    «Ce que je fais, c’est ce que je suis. What you see is what you get. Pis c’est la même affaire avec Saratoga (son duo avec Michel-Olivier Gasse). On est vraiment dans une dynamique de vérité. Quand tu viens voir le show, t’as accès à nous pis on joue pas de game», assure-t-elle.

    Elle croit que cette proximité, entre l’artiste et l’humaine qu’elle est, contribue à faire tomber les barrières et à renforcer le lien privilégié qu’elle entretient avec son public. «Je me suis rendue compte, surtout avec la tournée de Saratoga, que y’a vraiment beaucoup de monde qui trippe sur ce que je fais, mais qui trippe fort, pis ça, ça m’impressionne beaucoup. Probablement à cause de cette vérité-là, c’est allé chercher les gens dans des endroits très précis de leur vie pis de leurs émotions», estime-t-elle.

    «C’est peut-être à cause de ça que j’ai des personnes qui me suivent assez fidèlement pis qui ont vraiment été touchées par ce que j’écrivais et qu’elles se sentent à l’aise de me le dire. Y’a ça aussi. Quand t’es intimidé par la personne, tu te coupes de plein de rencontres.»

    Justement, ne vous coupez surtout pas d’une rencontre avec Chantal. Elle est plus que sympathique donc, si jamais vous la croisez, allez lui jaser ça. Je peux vous dire qu’elle m’a apporté beaucoup et je la remercie pour ça.

    Vous pouvez écouter son sublime EP À hauteur d’homme juste ici. À noter qu’il n’y aura pas de spectacles pour ce EP puisqu’elle est en tournée et en préparation d’un album avec Saratoga. Toutes les dates de Saratoga ici.

    Sur ce, allons vivre comme s’il n’y avait pas de lendemain.

    Marie-Thérèse Traversy

    3 juin 2016
    Entrevues
    À hauteur d’homme, Alex McMahon, Chantal Archambault, Corps étrangers, Dos d’âne, folk, Le jeu des accroires, Michel-Olivier Gasse, On veillera le feu, Saratoga, Studio LGROS
  • [ENTREVUE] Rust Eden

    [ENTREVUE] Rust Eden

    Alexandre Larin et David Bastien sont «un amour de jeunesse». Musicalement parlant. De leurs jams chez le papa d’Alexandre à St-Eustache est subtilement né Rust Eden puis, lors de leur colocation en sol montréalais, leur deuxième opus, Apartment Green s’est progressivement construit. Premier projet signé sur la jeune étiquette Chivi Chivi, Rust Eden est le point de convergence du rock, du psychédélisme mid-sixties et de l’esprit seventies. Mais, oubliez les clichés, car, rien n’est forcé. Leur oeuvre est simplement le reflet de leur personnalité.

    7 mai 2016 : Le soleil de plomb réchauffe un Divan Orange bondé pour le lancement d’Apartment Green en formule 5 à 7. Au sous-sol, entourés d’un chaos visuel éclectique, Alexandre (chanteur et guitariste), David (bassiste) et moi discutons. Les gars s’apprêtent à monter sur scène en compagnie du batteur Marc-Antoine Sévégny, du guitariste Étienne Broué et du claviériste Benoît Parent qui complètent la formation live.

    Assis sur le divan orange, leur façon de gérer le stress, diamétralement opposée, laisse immédiatement transparaître leur complémentarité. Alexandre, plutôt agité, évacue la tension en désarticulant un Spiderman en plastique, alors que David, calme, réservé et armé de son Red Bull, semble tout garder à l’intérieur. Leur univers m’intrigue et je veux en connaître davantage.

    Alexandre et David me racontent qu’ils se connaissent depuis la fin du secondaire et qu’ils ne se souviennent pas avoir eu de projets musicaux distincts. «On a pas mal commencé ensemble», souligne David. «Je savais qu’Alexandre jouait de la guit, je me suis acheté une basse. Je jouais du drum quand j’étais tout petit, je voulais aller vers quelque chose de plus mélodique». «Dès qu’on s’est rencontrés, on a commencé à jammer. […] Ça a cliqué tout de suite», affirme Alexandre.

    Ce dernier vient d’une famille où la musique est très présente. «Mon père et mon grand-père étaient musiciens. Y’a toujours eu des instruments à la maison, ça a toujours été une bonne place pour jammer». Mais, le véritable élément déclencheur, c’est lorsque le père d’Alexandre a fait l’acquisition de matériel pour un studio maison. «Ça a réveillé de quoi parce qu’on pouvait enregistrer toutes nos idées. On en a enregistré en tabarouette», poursuit le chanteur.

    Le concret

    Rust Eden n’a pas vu le jour immédiatement. «Ça a pris un méchant bout avant qu’on ait un band. On était juste deux, on faisait nos tounes», se rappelle Alexandre. «On était ben gênés, on montrait ça à personne», renchérit David. «Même notre famille savait pas trop. Elle savait qu’on faisait de la musique, mais on ne leur faisait pas trop écouter. On était ben autocritiques», se remémore Alexandre. «Un moment donné, on a fait bon, ça va faire le niaisage. On a déménagé à Montréal pis on a réussi à se trouver des musiciens pour faire des shows. On voulait sortir un peu du studio».

    Crédit photo : Anne-Julie St-Laurent

    Contraste entre la pureté qu’évoque l’Éden et le côté sale de la rouille, le nom du groupe résulte de la fusion partielle de titres d’albums marquants pour la formation. «Rust, ça vient de Neil Young. On est des gros fans pis un de ses albums s’appelle Rust Never Sleeps. On cherchait un autre mot pour aller avec ça. Ça vient d’un album qu’on écoutait pas mal quand on est arrivés à Montréal qui s’appelle Spirit of Eden de Talk Talk», explique David. «On avait de la misère. On a un bon sens du ridicule là-dessus donc l’inspiration qu’on avait pour les noms de bands, c’était affreux», rigole Alexandre.

    Le petit deuxième

    Apartment Green représente l’entité de leur ancien appartement montréalais où a été composée la majeure partie de l’album. Un dérivé colorimétrique d’un genre de «blues d’appartement». «On faisait juste composer tout le temps, on n’avait rien d’autre à faire en fait. C’était vraiment un trip très introspectif dans ces années-là, on sortait pas beaucoup pis on était comme dans notre trip ben ben personnel, ben deep. C’était juste la façon d’exprimer cet appartement-là. C’est autant des trips ben abstraits que des affaires ben concrètes», mentionne Alexandre.

    «C’est ben personnel, plein de situations dans nos vies mises en musique, en chansons», poursuit David. «Cette période-là dans l’appartement, c’était pas mal des hauts pis des bas, comme l’album dans le fond. Y’a des bouts que c’est beaucoup nostalgique, d’autres que c’est plus fonceur.»

    Rust Eden - Apartment Green (Chivi Chivi)
    Rust Eden – Apartment Green (Chivi Chivi)

    Enregistré au Studio B à Montréal, cet opus représente une évolution musicale par rapport à l’instrumentation plus simple du précédent. «On s’est vraiment pété un trip de psychédélique, des synthétiseurs pis tout le kit. On voulait que tous les aspects de l’album soient bien travaillés, qu’à tous les aspects, on y aille au maximum de ce qu’on peut faire en DIY», indique Alexandre. «C’est un peu sensoriel aussi, le côté psych qui rejoint la musique», ajoute Benoît qui se glisse discrètement dans la discussion.

    Effectivement, Rust Eden joue avec nos sens en créant autant une expérience visuelle, à l’aide de projections, qu’auditive pour le spectateur. «On a toujours tripé sur des bands comme Pink Floyd, Genesis. C’était des espèces de mises en scène super fuckées. Sans refaire ça, je pense que d’avoir des petits éléments qui font juste rajouter au spectacle, c’est juste cool. Je trouve que ça ajoute à l’expérience d’avoir un peu de visuel en show», soutient Alexandre.

    Le prog, le doute et les chemises fleuries

    Dans la création, Alexandre et David font la paire. «On travaille tout le temps pas mal tout ensemble», indique David. «On compose juste à deux pis les gars ajoutent leur touch», explique Alexandre. Se considèrent-ils comme un duo ou un quintette? «J’aime ça le voir comme un band. Sans les gars, on ne serait pas capable de faire quoi que ce soit tant qu’à moi. C’est tellement important d’avoir cette gang-là. Je les vois plus que juste des musiciens engagés parce qu’anyway, sont pas ben ben payés. (rires)»

    Les images VHS, les turtlenecks, le son un brin rétro. Avec Rust Eden, on a l’impression de vivre l’ambiance sixties-seventies. Les gars m’assurent qu’ils ne sont pas nostalgiques de cette époque, que c’est simplement ce qui les attire naturellement. «J’ai l’impression qu’en 2016, on a le recul pour choisir le style qu’on veut. J’ai toujours aimé ça, j’ai toujours été comme ça, j’ai toujours porté des esties de chemises fleuries. Au secondaire, tout le monde était skate pis moi j’avais les cheveux longs…C’est ça qui nous ressemble le plus», précise Alexandre. «Ça aurait pu être n’importe quelle époque, c’est juste qu’on aime les trucs ben éclatés qui sont plus deep, vrais, pas trop fla-fla pop… des trucs qui veulent dire de quoi pis qui font voyager. Veux, veux pas, ça adonne que les années 60-70, c’est beaucoup de ça.»

    Crédit photo : Anne-Julie St-Laurent
    Crédit photo : Anne-Julie St-Laurent

    Parmi leurs albums chouchous, on retrouve The Lamb Lies Down On Broadway de Genesis et 13 de Blur. «Le côté prog, oui on en a écouté, pis oui on a voulu faire de quoi de différent qui est un peu une réponse à ça, d’y aller plus court, mais tout en ayant des concepts intéressants. C’est ça qu’on a essayé de garder du prog. Le monde associe souvent le prog à des affaires super quétaines, cheesy : ah du prog, c’est genre y’a une moustache avec une cape. Nous autres, on voulait quand même être plus hot que ça, tsé. (rires) Mais ça nous a beaucoup influencés quand même parce que ça nous a montré une genre d’ouverture musicale assez débile», explique Alexandre.

    Malgré la confiance qu’il affiche, le leader du groupe a aussi ses moments de doute. Il me raconte une anecdote en lien avec la création de la chanson Up Town, qui se retrouve sur Apartment Green. «On était un petit peu avancés cette soirée-là disons, pour être polis. On a commencé à enregistrer la toune pis moi j’étais sur un bad trip, ben tsé j’étais pas bien. J’angoissais, pis Dave lui, y’était super cool. Il faisait son riff pis tout allait ben. J’étais comme c’est de la marde, j’ai perdu totalement le talent de composer, chu pu capable, chu à chier…», se souvient-il.

    «Le lendemain matin, je me réveille, je vais écouter la toune. Je suis comme crisse, c’est bon ça! (rires) La toune est sur l’album. Ça m’a donné confiance. Arrête de t’en faire, fais juste des tounes pis ta gueule!»

    Rust Eden fera quelques spectacles estivaux avec la mission de «spread the love!» Gens de Québec, une date chez vous pourrait être annoncée bientôt! Restez à l’affût!

    18 juin 2016 – Zénob, Trois-Rivières

    9 juillet 2016 – Casa Del Popolo, Montréal

    Marie-Thérèse Traversy

    18 mai 2016
    Entrevues
    #Apartment Green, #Rust Eden, #Studio B, divan orange, Montréal, rock
  • [ENTREVUE] Hein Cooper

    [ENTREVUE] Hein Cooper

    Hein Cooper est un secret de moins en moins bien gardé. Repéré par l’oreille attentive de Franz Schuller (fondateur d’Indica Records) lors d’un gig dans un bar de Sydney, l’Australien voit désormais du pays grâce à sa musique. Un an après le lancement de son extended-play, l’auteur-compositeur-interprète vient tout juste de lever le voile sur son premier album complet, The Art of Escape. Textuellement, sa poésie est renversante. Les sonorités expérimentales s’entremêlent aux racines folks, révélant des zones de son art, auparavant inexplorées, qui font miroiter une mer de possibilités.

    J’ai eu le bonheur de m’asseoir avec Hein dans la loge de l’Anti après son set, moins de 48 heures avant la sortie canadienne de son opus. Notre temps ensemble était compté, puisqu’il devait remonter sur les planches le temps d’une chanson avec Foreign Diplomats. En plus de s’ouvrir généreusement sur son art, il m’a donné accès à l’humain qu’il est, me permettant de saisir l’essence de sa musique. De nature calme et plutôt timide, le grand jeune homme charismatique dégage une aura apaisante. Avec lui, what you see is what you get. Rencontre marquante avec un être vrai qui désire rester fidèle à lui-même avant tout.

    Le premier contact

    09HeinCooperHein a été éveillé à la musique assez jeune. Il me raconte que sa mère pianiste jouait souvent pour son frère et lui alors qu’ils étaient enfants. Mais tout s’est concrétisé au secondaire, lorsque son meilleur ami de surf a commencé à jouer de la guitare. «J’étais très compétitif avec ce garçon. Il s’est acheté une guitare, donc j’en voulais une aussi. Deux ans plus tard, il a arrêté de jouer et moi, j’ai continué car j’aimais vraiment ça», explique-t-il.

    Au cours de cette période, des artistes comme Jack Johnson, Angus & Julia Stone et Ben Harper lui servaient de références. «C’est ce que j’aimais à l’époque, plus maintenant», précise le musicien. «Ça a commencé avec le folk et, à partir de là, j’ai commencé à avoir plus d’intérêt pour des artistes innovateurs qui expérimentent. J’aime quand les albums représentent une progression et qu’ils se distinguent du précédent. C’est ce qui m’attire en tant qu’artiste.»

    Son top cinq du moment? Radiohead, Arcade Fire, Local Natives, Jeff Buckley et Ben Howard. Pour son EP et son album, Hein a d’ailleurs fait appel au réalisateur Marcus Paquin, qui a notamment travaillé avec Arcade Fire et Local Natives.

    L’art

    L’écriture de The Art of Escape est teintée par une relation amoureuse et par la nature, qui est une grande source d’inspiration pour Cooper. Ce dernier pose également un regard sur la société qui l’entoure à travers ses textes. «Les paroles sont assez politisées. Je cible comment je me sens face au monde, à la société et à son fonctionnement.»

    Ses paroles préférées? Pensif, il étire le silence puis, récite les mots du second couplet de la pièce-titre, à la manière d’un poème :

    «So dam bored living on the 15th floor, choking on electric chords, while you act like you know everything about pleasure and pain and the sunlit rain.» Il continue avec le début de Dopamine : «The final season’s changing, waking all the bears from hibernation, and I feel like I’m breathing in water, not within the borders of this world.» À cet instant précis, je ne peux qu’approuver. C’est magnifique, subjuguant.

    Tout comme ses influences musicales, le son créé par le musicien a aussi évolué au cours des dernières années. «En ce moment, c’est une combinaison de folk, car c’est d’où je viens, de musique indie-électronique et il y a même une chanson punk sur l’album», rigole-t-il en fredonnant le refrain de All my desires. «Oui, j’explore.»

    L’évasion

    04HeinCooperLe titre de l’album, The Art of Escape, s’est imposé par lui-même. «Je sens que c’est un thème récurrent dans ma vie. C’est essentiellement une question à la quête d’une réponse d’évasion, à savoir où je peux la trouver.»

    Lorsque je lui demande de quoi cherchait-il à s’évader, il réfléchit à voix haute. «À l’adolescence ou lorsque tu es un jeune adulte, tu cherches la vie que tu rêves d’avoir. Je crois que je fuyais ce que j’avais et que je courais vers la vie que je voulais, vers le monde dans lequel je voulais vivre. C’est comme un appel de l’âme à savoir comment je peux trouver cette place dans le monde que je désire véritablement», résume l’artiste.

    Voyager pour se retrouver

    Dans les dernières années, Hein a trimballé ses valises un peu partout, partageant son temps entre l’Australie, le Québec et l’Europe principalement. Selon lui, ces constants dépaysements ont eu un impact positif sur sa musique. «Ça m’a définitivement permis de voir le monde, différents environnements, différentes cultures et je pense que ça a façonné une perspective plus ouverte sur le monde. Je pense que j’ai plus à dire dans mes chansons maintenant que j’ai vu davantage de ce monde.»

    Les multiples voyages ont également fait grandir l’auteur-compositeur-interprète sur le plan personnel. «À travers ces voyages, je crois que je suis plus à l’aise d’être la personne que je veux être. J’ai laissé mes amis en Australie et je me suis fait de nouveaux amis au Québec, en Europe, partout à travers le monde, mais je me suis aussi retrouvé seul souvent. Cette solitude m’a permis de devenir plus confortable avec la personne que je suis plutôt que d’essayer de m’intégrer à un groupe.»

    Si on permet à Hein de rêver grand l’espace de quelques secondes, il souhaiterait vivre ces déplacements en compagnie de ses musiciens. «Je pense que j’aimerais partir en tournée à travers le monde avec un band. Je suis en mesure de le faire en Australie mais je ne peux pas me permettre de les emmener avec moi autour du monde. C’est définitivement mon souhait pour le moment. Un jour…»

    Parmi les endroits qu’il a eu l’opportunité de visiter, Hein a choisi Montréal pour enregistrer ses créations. Il souligne l’ouverture d’esprit de la ville, musicalement parlant, en faisant référence à la musique que les gars de Foreign Diplomats sont en train de jouer, juste au-dessus de nos têtes.

    «C’est différent, j’aime ça. Je pense que Montréal est une ville qui accepte les artistes comme ça et qui les supporte. Je joue de la musique qui me ressemble, qui est authentique à moi-même et qui peut paraître unique ou étrange pour d’autres personnes, mais je me suis vraiment senti chez moi pendant le processus d’enregistrement», mentionne-t-il.

    Le cœur d’abord

    02HeinCooperMalgré son jeune âge, Hein semble être d’une grande maturité. À travers ses publications sur les réseaux sociaux, il glisse souvent des messages empreints d’une certaine sagesse. «Je ne sais pas si je suis sage. Je ne suis pas sage, j’ai fait beaucoup de choses stupides…peut-être que ça explique ma sagesse», plaisante-t-il.

    Je lui demande donc quelle est la philosophie qu’il tente d’appliquer dans sa vie, sa devise au quotidien. Un peu surpris par ma question, il se gratte la tête quelques instants avant que la réponse ne lui apparaisse comme un éclair de génie. «Ok, j’ai une citation de Coldplay!», admet-il en riant.

    Après quelques échanges d’opinions sur la musique de la formation britannique, au moment même où j’affirme préférer la phase The Scientist, il lance : «C’est exactement ce que j’allais citer! Questions of science do not speak as loud as my heart.» Écouter son cœur, plutôt que sa tête. Et ça fonctionne toujours? «Sur le long terme. C’est très facile d’oublier ça et de juste faire travailler ça», conclut-il en désignant respectivement son cœur et sa tête.

    Hein Cooper sera en spectacle au Québec avec le groupe Foreign Diplomats dans les prochains jours et son premier album The Art of Escape est disponible dès maintenant. Tous les détails juste ici. Je cumule maintenant plusieurs heures d’écoute et je l’ai encore dans les oreilles en écrivant ces lignes. Ça dit tout.

    * À noter que l’entrevue a été réalisée en anglais (traduction libre).

    Photos : Marion Desjardins/ Llamaryon

    Marie-Thérèse Traversy

    5 avril 2016
    Entrevues
    Hein Cooper, L’anti, The Art of Escape
  • [SPECTACLE] Rob Moir + Hein Cooper + Foreign Diplomats, L’Anti, 30 mars 2016

    [SPECTACLE] Rob Moir + Hein Cooper + Foreign Diplomats, L’Anti, 30 mars 2016

    Je vais garder un excellent souvenir de mon premier spectacle à l’Anti. Un triple plateau éclectique et harmonieux qui m’a fait passer par toute une gamme de belles émotions.

    Rob Moir

    N’ayant jamais entendu parler du chansonnier torontois, je n’avais aucune attente face à sa prestation. Lorsqu’il est monté sur scène, guitare au cou, j’ai été agréablement surprise par sa musique folk-crue assumée et sa confiance sur scène.

    Rob MoirVenu livrer quelques compositions de son plus récent album Adventure Handbook et de ses précédents opus, Moir a brisé la glace avec une pièce de pirates fort convaincante, Lost and Found Like you, tirée de Places To Die. Je m’imaginais bien écouter cette musique sur la route, les fenêtres baissées, visage au vent. Après avoir interprété une chanson inspirée d’une anecdote de covoiturage, il a, selon ses dires, présenté une partie plus «heavy métal» de son répertoire. À mon avis, c’était plutôt du soft-métal qui rentrait tout de même au poste!

    Les interventions humoristiques du poète, dans un français quelque peu bricolé (on salue l’effort), ont su divertir les quelques spectateurs présents en début de soirée. Il a d’ailleurs gagné le cœur des gens avec cette déclaration audacieuse : «J’aime Québec, c’est une parfaite province. Fu** Ontario!» Bref, il a fait bonne impression ce cher Rob!

    Hein Cooper

    Hein CooperSans grande surprise, la place était saturée d’oestrogènes. En effet, la gent féminine était au rendez-vous pour se faire bercer par la douce voix de Hein Cooper (et probablement pour se satisfaire la rétine par la même occasion). Mais détrompez-vous, l’Australien a beaucoup plus que du eye candy à offrir…

    Directement arrivé de son Australie natale quelques jours auparavant, l’auteur-compositeur-interprète s’excuse d’être encore un peu sous l’effet du décalage horaire. Cette soirée était l’occasion pour lui de jouer les compositions de son premier album complet, The Art of Escape, tout juste avant sa sortie canadienne.

    La dépouillée Dopamine a immédiatement plongé la salle dans une atmosphère enveloppante et apaisante. Sur scène, la proposition minimaliste, dépourvue d’artifices, est percutante par son authenticité. La sincérité de la démarche du musicien est une de ses plus grandes forces. Il réussit à nous ancrer dans le moment présent, à nous faire oublier tout le reste.

    Avec ses sonorités électros, The Real fait état de l’expérimentation musicale de Cooper, l’éloignant quelque peu de ses racines folks. Il y reviendra rapidement avec l’excellente Curse of my life, pièce empreinte de nostalgie, livrée avec une force tranquille.

    Hein s’est ensuite brillamment approprié Runaway de Kanye West. Une version guitare-voix poignante qui a complètement chassé l’originale de mon esprit. Autre coup de cœur pour son interprétation de Luna Sky, superposant des couches de sa voix pour créer une chorale imaginaire. Frissons, frissons.

    Hein CooperPour les trois pièces suivantes, il a invité ses bons amis de Foreign Diplomats à le rejoindre sur les planches. La chimie opérait naturellement entre les musiciens et leur complicité était palpable dès les premiers accords de Rusty. Les festivités se sont poursuivies avec All my desires et Overflow.

    En guise de finale, seul sur scène avec sa guitare, Hein Cooper a semblé suspendre le temps en interprétant la pièce-titre de son album. Un peu magique, tout simplement.

    Foreign Diplomats

    Une valeur sûre pour mettre le party ? Juste à inviter Élie, Thomas, Emmanuel, Antoine et Charles sur un stage. Cette soirée n’a pas fait exception à la règle. Le volcan FD était en pleine ébullition, comme à son habitude.

    Foreign DiplomatsMexico a donné tout un coup d’envoi à la soirée, suivie de Comfort Design (dont le super beau clip est sorti il y a quelques jours) et Lily’s Nice Shoes! Les cinq jeunes hommes sont complètement habités par la musique et ça déteint inévitablement sur la foule. Je me suis ensuite éclipsée, le temps d’une entrevue avec M. Cooper. À mon retour, c’était l’énigmatique et sombre Lies (of November) qui magnétisait les spectateurs.

    Les gars ont tout donné ce soir-là et ont visiblement eu beaucoup de plaisir. Le fougueux Thomas a même pris un petit bain de foule au grand plaisir des filles qui se trouvaient aux premières loges. Le sentiment festif s’est facilement propagé dans le public, qui semblait ravi de sa soirée. Comme personne ne voulait qu’elle se termine, les musiciens ont offert You Decide en rappel. Puis, comme une cerise sur le sundae, Hein Cooper s’est joint à eux pour boucler la boucle avec l’exaltante Queen + King.

    Pour mieux connaître le band, je vous suggère de lire l’entrevue que j’ai réalisée avec Élie et Thomas! Rob Moir sera de retour à l’Anti ce lundi 4 avril, alors qu’Hein Cooper et Foreign Diplomats partageront la scène à nouveau pour une série de spectacles ces prochains jours.

    Catch’em while you can!

    6 avril : Gatineau – Minotaure

    7 avril : Montréal – Théâtre Fairmount

    8 avril : Trois-Rivières – Ti-Petac

    9 avril : Sorel – Pub O’Callaghan

    15 avril : Sherbrooke – Petite Boîte Noire *sans Hein Cooper*

     

    Photos : Marion Desjardins/ Llamaryon

    Crédit photo: Marion Desjardins / Llamaryon
    Foreign Diplomats le 30 mars 2016. Crédit photo: Marion Desjardins / Llamaryon

    Marie-Thérèse Traversy

    3 avril 2016
    Région : Québec, Spectacles
    Foreign Diplomats, Hein Cooper, L’Anti Bar & Spectacles, L’Anti Bar et spectacles, Rob Moir
  • [ENTREVUE] Foreign Diplomats

    [ENTREVUE] Foreign Diplomats

    Foreign Diplomats, deux mots à retenir. Cinq gars qui, malgré leur jeune âge, ne sonnent comme personne. Élie Raymond (voix principale, guitare), Antoine Lévesque-Roy (basse), Thomas Bruneau Faubert (trombone, synthétiseurs), Charles Primeau (guitare) et Emmanuel Vallières (batterie) façonnent un son bien à eux, un amalgame harmonieux d’électro et de rock, où les cuivres s’introduisent brillamment. Après un EP autoproduit en 2013, leur premier album complet, Princess Flash, est paru en octobre dernier sous l’étiquette Indica Records. L’unicité de leur son et l’anticonformisme de leur proposition artistique les distinguent, dans une marée musicale montréalaise en pleine expansion. Selon moi, c’est digne de mention.

    Je tenais donc à discuter avec ces musiciens pour en apprendre plus sur leur processus de création, leurs inspirations, la signification de leur musique. On s’était donné rendez-vous dans le hall d’un hôtel, quelques heures avant qu’ils ne mettent le feu aux planches du Cercle, dans le cadre de la Bourse Rideau. Je suis arrivée à la course. Ils m’attendaient relax dans les divans en mangeant de la pizza sur un coin de table. Ils m’en offrent gentiment. Des petits gars polis. Je les aimais déjà. Élie et Thomas restent avec moi, alors qu’Emmanuel, Charles et Antoine quittent à pied avec le reste du repas. Belle jasette avec deux membres fort sympathiques d’un «bébé band» (pour reprendre les mots d’Élie) qui pourrait grandir bien vite.

    Le baptême
    Les gars me racontent les débuts du projet, alors qu’ils étaient au secondaire. Ils avaient des amis en commun, puis se sont regroupés. À un moment, ils étaient neuf dans le groupe. «On était juste une grosse gang, un trop gros orchestre. C’était con, c’était juste du fun. C’est tough de gérer ça», confie Élie, chanteur de la formation. Thomas, Antoine et lui sont là depuis les premiers balbutiements du projet. Originaires des Laurentides, les garçons m’expliquent qu’une «sélection naturelle Darwin style» s’est produite. «Notre sélection s’est vraiment faite quand on a bougé le local de pratique de plus en plus proche de Montréal. Il y a du monde qui trouvait ça loin, on a vraiment fait l’entonnoir avec le monde qui voulait vraiment», explique Thomas.

    C’est à l’aéroport, au retour d’un voyage scolaire, que le groupe a été baptisé. «En revenant à Montréal, on a vu le nom Foreign Diplomats qui guide les vrais diplomates étrangers où ils doivent aller. Ça sonnait bien», soutient Élie. Le titre de l’album, lui? «Veux-tu la vraie histoire?», me demande Thomas. «Je pense que la fausse est vraiment meilleure.» Évidemment, je veux entendre les deux. Il commence par la vérité. Poussés par leur maison de disques pour nommer l’opus, ils ont délibéré en route vers Toronto pour un show. «On s’est dit, bon ben on va tous dire des mots, un après l’autre dans la van. Quelqu’un a dit princess, quelqu’un a dit flash.»

    Foreign DiplomatsC’est après coup que les musiciens ont réalisé que ce titre prenait tout son sens. Les mots à connotation royale sont omniprésents dans les textes des chansons. «C’est utilisé très sarcastiquement. Prendre quelqu’un trop important pour ce qu’il est vraiment. C’est vraiment le thème de l’album. Princess Flash est devenue cette personne-là», explique Élie. «C’est une personne qui passe vraiment vite dans ta vie pis, pendant qu’elle est là, tu lui accordes vraiment beaucoup d’importance. Dans le fond, elle passe comme un flash (claquement de doigts)», renchérit Thomas. La pochette de l’album illustre d’ailleurs cette princesse-éclair. «Je voulais qu’on voit quelqu’un, parce que je trouve que tu peux plus relater», précise Élie. Thomas poursuit : «On trouvait ça le fun aussi de rajouter un personnage dans l’univers du groupe, de notre imagination.»

    La quête sonore
    Le jeune quintette a eu l’opportunité de collaborer avec le réalisateur américain de renom Brian Deck. Ensemble, ils ont travaillé les chansons en pré-production, puis Deck les a accompagnés pendant le processus d’enregistrement. «Brian Deck est comme vraiment devenu notre ami. Au début, c’était un peu froid, c’était intimidant. Finalement, on niaisait avec lui. Il nous a tout le temps dirigés où il pensait que ça devait aller, mais sans nous restreindre», mentionne Thomas.

    «Nous, on avait notre identité», ajoute Élie. «Autant qu’on est des petits bébés pis qu’on n’avait pas d’expérience en studio pis on voulait juste faire n’importe quoi, lui il nous a juste ramenés, tout en nous laissant expérimenter un peu, jouer pis avoir du fun. La recherche sonore était déjà pas mal faite avant l’album.»

    Je leur demande ensuite si, musicalement parlant, c’était important pour eux de sortir des sentiers battus. Élie me répond sagement : «[Le défi], c’est de ne pas tout le temps sonner pareil. En ce moment, j’écris encore beaucoup pis j’essaie de me pousser à faire des affaires que je n’ai jamais faites. Juste gosser avec les sons comme je n’ai pas fait avant, écrire d’une façon différente. Je pense que le plus important pour moi, c’est de nous démarquer de nous-mêmes.» Thomas enchaîne : «Pour un premier album aussi c’est important de se démarquer plus je crois, parce que c’est vraiment la première étiquette que les gens vont voir. Si c’est pareil à quelqu’un d’autre, c’est quoi vraiment le point de ton groupe, tsé.» «True that boy», acquiesce Élie.

    La composition

    Côté composition, créer une pièce à cinq, ça se passe comment? «C’est Élie qui lead pas mal la composition pis les arrangements des chansons», réplique spontanément Thomas. «Dans le fond, il y a comme [différents] scénarios possibles. Number one : Élie arrive avec tout déjà fait. Un démo de A à Z. Il va même avoir fait les arrangements de brass. Le deuxième scénario : Élie va arriver avec guitare-voix pis on va tout builder ensemble chacun nos instruments…plus en jammant.»

    Foreign Diplomats

    «Il faut que ça soit spontané. Personnellement, j’haïs ça travailler en band sur une nouvelle chanson, ça devient tellement chaotique. On est encore un bébé band, on commence à se connaître très bien musicalement, mais on a tous des idées différentes qui ne vont pas nécessairement ensemble, pis c’est important de l’accepter», complète Élie. Le chanteur ajoute qu’il serait ouvert à ce que d’autres personnes dans le groupe composent. «L’affaire, c’est qu’Élie écrit beaucoup, beaucoup… il est dur à suivre», affirme Thomas. «Moi j’en écrirais une [chanson] en un mois, lui il en a déjà écrit six. (rires) Si on veut créer une identité, c’est sûr qu’Élie va prendre le lead.» «Le fait que j’écris beaucoup et depuis pas mal longtemps, je commence à avoir ma plume», précise Élie en toute humilité. «Je me connais pis je sais où je m’en vais. J’ai déjà eu des démos qui ressemblaient vraiment exactement à un band pis ça les prenait pour m’amener ailleurs.»

    Les musiciens qualifient leurs influences de «pas mal éclectiques.» Ils s’entendent pour dire que la musique de LCD Soundsystem a été particulièrement marquante pour eux. «C’est un gros band pour nous. C’est un band qui, pour vrai, a changé ma vie», explique Élie. «Chacun de nous a vraiment trippé fort», ajoute Thomas. Élie poursuit : «Broken Social Scene, Bowie énormément dans comment j’aimerais chanter.» Pour ce qui est du maquillage? «Ça va venir! (rires)»

    «Coffee brought me to the conclusion that some people don’t deserve to live.» 

    – Lies (of November)

    La musique de Foreign Diplomats est très festive, mais lorsqu’on porte attention aux textes, on se rend compte que les propos sont assez sombres. «Quand j’ai commencé à aimer les textes que j’écrivais, j’ai réalisé que, souvent, c’est dark ou c’est vraiment méchant. (rires) C’est une grosse contradiction, les paroles pis la musique», analyse le chanteur. «Il y a des affaires là-dedans, pas que je ne crois pas, mais que je ne dirais pas dans la vraie vie. C’est aussi une raison pourquoi j’écris en anglais, parce qu’en français, je ne serais pas capable de dire des affaires aussi poussées que ça. L’anglais permet de m’éloigner de moi-même», précise-t-il.

    Sur scène, la musique prend le dessus et vient atténuer la lourdeur des paroles. «Quand on est en show, quand on joue de la musique, on a le goût que les gens dansent, qu’ils aient du plaisir. On a le goût aussi d’avoir du plaisir», mentionne Thomas. «On n’est pas des gens dark non plus. Sur scène, on niaise pis on a du fun. Quand je chante ces textes-là, oui je rentre dans mon genre de personnage… mais quand même ce n’est pas lourd», assure Élie.

    La scène, l’exutoire
    Quand Foreign Diplomats embarque sur un stage, ça déménage pas rien qu’un peu. Où vont-ils puiser cette énergie débordante? «Je suis quand même quelqu’un de smooth dans la vie. Je pense que le fait d’arriver sur scène pis de pouvoir juste tout lâcher qu’est-ce qui peut me faire chier dans la vie ou whatever, de ne juste pas penser à qu’est-ce que tu as à faire demain. Tu t’es pogné avec ta blonde ou il faut que tu déménages la semaine prochaine, t’as pas payé ton Hydro la semaine passée… Pendant que tu joues, tu ne penses pas à ça pantoute, t’es juste vraiment ailleurs», explique Thomas.

    Foreign Diplomats

    Êtes-vous stressés de vous produire devant les gens de l’industrie ce soir ? «Oui, quand même. Mais on fait beaucoup de showcases, on sait c’est quoi. Faire un show de 20 minutes, ce n’est pas facile. Nos shows, c’est un build-up. À la fin, on se dit plus t’es mouillé, plus tu t’es fait mal, plus t’as eu du fun. On n’a pas beaucoup de temps pour se faire du mal (rires)», plaisante Élie. «On a joué avec notre setlist jusqu’à ce matin. Il y a un petit stress, un peu plus, parce que les gens viennent nous juger. On s’en vient se faire reluquer un peu.»

    Shows, répétitions, entrevues, déplacements : les gars ont un horaire relativement chargé. Sont-ils toujours disciplinés? «Oui. On est à un niveau où est-ce qu’on veut vraiment faire ça tous les cinq, également. Ça nous tente tous autant, donc on veut tous mettre le même effort», assure Élie. «Ça fait longtemps qu’on veut faire ça, pis ça fait longtemps qu’on le sait», enchaîne Thomas.

    Les diplomates à l’étranger

    En octobre dernier, les garçons ont présenté leur spectacle dans deux villes françaises : Nantes et Paris. «C’était malade!», résume Élie. «A1!», ajoute Thomas. Leur musique a reçu un accueil inespéré. «Avant de partir, j’étais comme hey les gars, ça se peut qu’on joue devant huit personnes à ces shows-là. Mais on s’en fout, on est en France!», se rappelle Élie. Toutefois, lors d’un festival à Nantes, c’est plutôt l’inverse qui s’est produit. «C’était comme 1500 personnes, c’était complètement fou. Ça a vraiment cliqué, on a fait une grosse prestation. Charles est descendu dans la foule avec la cloche à vache, on s’est pitché à terre!», raconte-t-il en revivant l’excitation du moment. À Paris, le petit club dans lequel ils se produisaient était rempli. «On a été vraiment surpris de ces prestations-là parce qu’on a eu des répercussions par après, des gens qui ont vraiment aimé ça, puis qui nous ont écrit…on ne s’y attendait tellement pas», souligne Thomas.

    En terminant, qu’est-ce qu’on leur souhaite pour 2016? «Des shows!», me répondent-ils en chœur. Ils feront d’ailleurs quelques spectacles avec l’australien Hein Cooper, un autre talent brut que je vous suggère de découvrir. Gens de Québec, ça se passe le 30 mars prochain à l’Anti! «On est vraiment des bons amis avec Hein Cooper. Ça va juste être le fun de partager la scène avec lui. Il est vraiment beau en plus», lance Thomas. «On va jouer des tounes avec lui et il va sûrement venir jouer avec nous. Ça va être un show long, on fait le temps qu’on veut. Nous on va avoir du fun, ça va être facilement partageable», indique Élie.

    Pour vivre l’expérience Foreign Diplomats, rien de mieux que de se déplacer pour les voir sur scène. Les dates de tournée sont disponibles via leur page Facebook. Et pour danser dans votre salon, Princess Flash est la trame sonore idéale.

    Photos : Marion Desjardins/ Llamaryon

    Marie-Thérèse Traversy

    1 mars 2016
    Bourse Rideau, Entrevues
    Bourse RIDEAU, Foreign Diplomats, Hein Cooper, Indica Records, Princess Flash, RIDEAU
  • [Bourse RIDEAU] 5 à 7 Scène 1425, Palais Montcalm, 17 février

    [Bourse RIDEAU] 5 à 7 Scène 1425, Palais Montcalm, 17 février

    C’est sous un soleil de plomb, beaucoup plus agréable que le verglas de la veille, que je me suis dirigée vers le Palais Montcalm pour assister au légendaire 5 à 7 de la Bourse Rideau, organisé par Scène 1425, la SOCAN et Lepointdevente.com. J’étais très heureuse de retrouver, pour une deuxième année consécutive, une salle D’Youville bondée, où l’ambiance conviviale régnait et la saperlipopette de bonne musique pullulait.

    Misc

    La soirée a commencé toute en finesse avec les compositions instrumentales de Misc (anciennement Trio Jérôme Beaulieu). Sacrés Révélation Jazz Radio-Canada 2013-2014, Jérôme Beaulieu (piano), William Côté (batterie) et Philippe Leduc (contrebasse), lanceront un album le 18 mars prochain sous l’étiquette Bonsound. Présentées avec fougue, tout en dégageant une certaine sobriété, les pièces La Fin et Les Années Molles, ont donné à l’assistance un avant-goût fort convainquant de l’opus à venir.

     

    Charlotte Cardin

    Charlotte Cardin

    Vint ensuite le temps pour Charlotte Cardin (et ses deux acolytes) de monter sur les planches pour présenter son matériel devant les gens de l’industrie. L’auteure-compositrice-interprète, découverte par le grand public à l’émission télévisée La Voix, a livré quelques compositions au clavier, avec aplomb et sincérité. Dès les premières notes de Big Boy, on prend conscience de la vieille âme que cette artiste possède et du son mature, imprégné de soul, qui émane de son projet. Charlotte a ensuite interprété deux nouvelles chansons émotivement chargées, en anglais, qui pourraient bien se retrouver sur son premier album à paraître à l’automne 2016. Celle qui sera en spectacle au festival Osheaga cet été, a terminé sa prestation avec Faufiles, une délicate pièce dépouillée, en français cette fois, où sa chavirante fragilité de jeune interprète se révèle davantage. «Tu te faufiles, entre mes lignes», nous soufflait-elle doucement. Coup de cœur pour Charlotte, sur toute la ligne.

     

    Jesse Mac Cormack

    Jesse Mac Cormack

    Dans un tout autre registre musical, Jesse Mac Cormack est venu jouer son folk-rock-électro en compagnie de ses trois musiciens. Celui qui a signé la réalisation des albums de Rosie Valland, Emilie & Ogden et, plus récemment, du prochain Betty Bonifassi, a donné une performance introspective, timide mais sentie, où il a interprété quelques pièces de son second EP Crush, notamment Too Far Into. Je crois aussi avoir entendu son nouveau single After The Glow. Bien que certaines conversations de la foule s’immisçaient à travers ses pièces ponctuées de silences, Mac Cormack a quand même réussi à garder plusieurs oreilles captivées grâce à son identité musicale forte et distinctive. Un grand talent synonyme d’intégrité qui, sur scène, laisse sa musique prendre toute la place.

     

    Safia NolinSafia Nolin

    L’enfant chérie de Québec, l’attachante Safia Nolin, semblait très attendue des spectateurs présents. Avec son foulard sur la tête et le guitariste Joseph Marchand à ses côtés, l’artiste a chanté tour à tour quatre chansons de son bijou d’album, Limoilou. Paradoxalement, Safia a entonné sa magnifique chanson La laideur, puis a poursuivi avec la touchante pièce Technicolor. Faisant preuve d’humour comme à son habitude, la jeune femme a pris le temps de raconter son spectacle à Rideau l’an dernier, tout en accordant sa guitare. «On était au Petit-Champlain, c’était la première fois que Joseph et moi on jouait ensemble pis c’était même pas bon! On était assis, c’était la première fois que je mettais mon chandail de Britney Spears», a-t-elle lancé en riant de bon cœur avec son complice. Après avoir interprété Si seulement, l’auteure-compositrice-interprète annonce qu’elle nous quitte avec la renversante Noël Partout, avant de lâcher candidement : «Nos guitares sont pas tunées. Ok…byebye tout le monde». Simple, vraie et ô combien talentueuse.

     

    Matt HolubowskiMatt Holubowski

    C’est à Matt Holubowski que revenait la tâche de clore ce 5 à 7 de feu. J’ai dû quitter hâtivement pour me rendre à mon entrevue avec Foreign Diplomats. J’ai donc raté la majeure partie de sa performance, mais, par curiosité, j’ai tout de même écouté quelques minutes. Bien entouré d’un batteur, d’un bassiste et d’un guitariste, en l’occurrence André Papanicolaou, l’ex-finaliste de La Voix est arrivé sur scène, harmonica au cou et guitare à la main, pour livrer une charmante composition en anglais. J’étais bien contente de retrouver cette voix chaleureuse qui me rappelle celle de Passenger par moments. C’est assurément partie remise pour assister à un concert complet!

    Photos : Marion Desjardins/ Llamaryon
    Jesse Mac Cormack – Photo : Marion Desjardins
    Safia Nolin.
    Safia Nolin – photo : Marion Desjardins
    Matt Holubowski – Photo : Marion Desjardins (Archives)

     

    Marie-Thérèse Traversy

    29 février 2016
    Région : Québec, Spectacles
    Bourse RIDEAU, Charlotte Cardin, Jesse Mac Cormack, Matt Holubowski, Misc, palais montcalm, RIDEAU, Safia Nolin, Scène 1425, SOCAN
  • [Bourse RIDEAU] KROY + Mouse On The Keys, Le Cercle, 16 février

    [Bourse RIDEAU] KROY + Mouse On The Keys, Le Cercle, 16 février

    Ce jour-là, Dame Nature avait décidé qu’on allait payer pour l’hiver clément qu’on avait eu jusqu’à présent. Mais, pas question de manquer ma première soirée à la Bourse Rideau! J’ai connu cet évènement l’année dernière, alors que j’en assurais la couverture pour un autre média, et le concept m’avait véritablement charmée.

    Les artistes présentent des extraits de leur spectacle afin d’inciter les gens de l’industrie à les inclure dans leurs programmations. C’est l’endroit idéal pour faire des découvertes artistiques et rencontrer des gens passionnés de culture. Il y a une frénésie dans l’air quand Rideau débarque à Québec, c’est palpable.

    Après avoir vaincu le cocktail météo, Marion et moi sommes finalement arrivées saines et sauves au Cercle pour les vitrines de KROY et Mouse On The Keys. À la seconde où je suis entrée dans la salle de spectacle, les premières notes de clavier séduisaient déjà mes tympans.

     

    KROY

    KROY

    Projet solo de Camille Poliquin (moitié du duo Milk & Bone), KROY livre une proposition musicale électro-pop, ancrée dans la mélancolie. Accompagnée de Guillaume Guilbault aux claviers et de Maxime Gosselin aux percussions, Camille a ouvert la soirée avec l’entraînante pièce River, tirée de son EP Birthday.

    Après s’être brièvement adressée à la foule clairsemée, mais attentive du Cercle, l’artiste a enchaîné avec Bones, composition à la fois envoûtante et torturée qui se retrouvera sur son premier album complet. «Je viens de signer avec Dare To Care Records, ce qui veut dire que je sors un album à l’automne prochain, ce que j’ai très hâte de faire», a lancé Camille, visiblement enthousiaste à l’idée de franchir cette étape marquante dans sa carrière.

    Nous avons ensuite eu droit à une version revisitée de Birthday, pièce-titre du EP de KROY. Des effets sonores, rappelant le bruit clair de gouttes d’eau qui tombent, et une finale quasi psychédélique, où les couches sonores s’empilent, donnaient un nouveau souffle mélodique à la chanson.

    J’avais déjà vu KROY sur scène en octobre dernier, lorsqu’elle assurait la première partie de Cœur de Pirate à l’Impérial. À ce moment, un seul musicien était à ses côtés et les mélodies étaient plutôt minimalistes et rêveuses. Bien que le côté aérien demeure, j’ai entendu un son beaucoup plus percutant et des arrangements davantage étoffés au Cercle. Les compositions ont évolué musicalement pour gagner en richesse et en maturité. C’était déjà beau. C’est maintenant d’une beauté poignante.

    Sur le plan vocal, c’était impeccable : tout en nuances et d’une rare puissance pour une voix cristalline. L’auteure-compositrice-interprète atteint des notes vertigineuses avec une aisance impressionnante et ose quelques acrobaties vocales qui font frissonner. Malgré une performance scénique somme toute statique (Camille et ses musiciens demeurent derrière leurs instruments), KROY a réussi à garder l’attention des spectateurs du début à la fin. Monstrosity, une autre chanson qui se retrouve sur le EP, est venu clore en délicatesse cette (trop) courte prestation.

     

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    Mouse On The Keys

    Ayant seulement écouté la première pièce du concert de 40 minutes, complètement à l’arrière de la salle en raison de mon entrevue avec KROY, je ne peux pas vous livrer un véritable compte-rendu de l’expérience musicale. Mais, je peux quand même vous en glisser quelques mots!

    Le trio japonais, formé d’Akira Kawasaki (batterie), Atsushi Kiyota (piano, claviers) et Daisuke Niitome (piano, claviers), s’est installé sur scène dans l’obscurité presque totale avant d’ouvrir avec la composition Spectres de Mouse, tirée de leur premier album complet An Anxious Object. Ils sont demeurés dans le noir comme pour laisser toute la lumière sur la musique (chapeau à Marion qui a réussi à prendre de belles photos quand même). Des projections s’apparentant tantôt à des messages d’erreur indéchiffrables, tantôt à une pluie d’étincelles où la bichromie noire et blanche dominait, tapissaient les écrans du Cercle.

    Du sous-sol, où je me trouvais pour la majorité du spectacle, la prestation m’a paru comme une seule et même chanson, certes avec des variations, mais sans véritable coupure. Même si je ne suis pas adepte de musique instrumentale, j’ai quand même perçu un immense talent et une complexité musicale dans l’œuvre de ces artistes.

    Il s’agissait d’une deuxième présence au Cercle en quelques jours pour Mouse On The Keys. D’ailleurs, notre collaborateur Simon Provencher était sur place à leur première venue. Vous pouvez consulter son compte-rendu (beaucoup plus complet que le mien) juste ici.

    Photos : Marion Desjardins/ Llamaryon

    Marie-Thérèse Traversy

    29 février 2016
    Bourse Rideau, Région : Québec, Spectacles
    Bourse RIDEAU, KROY, Le Cercle, Milk & Bone, Mouse on the keys, RIDEAU
  • [ENTREVUE] KROY

    [ENTREVUE] KROY

    Camille Poliquin n’a définitivement pas chômé ces dernières années. Plus d’une décennie après avoir été choisie pour interpréter le rôle de Zoé dans la production Quidam du Cirque du Soleil, l’artiste dans la jeune vingtaine multiplie les expériences musicales. En plus d’avoir collaboré aux projets de Jason Bajada, David Giguère et Elliot Maginot à titre de choriste et de mener de front, avec sa complice Laurence Lafond-Beaulne, le duo Milk & Bone, Camille prépare actuellement son premier album solo sous le nom de KROY. Une musique directement extraite de son âme.

    Quelques minutes après sa sortie de scène, à l’occasion d’une vitrine à la 29e Bourse Rideau, Camille s’est assise avec moi pour jaser de musique, de son amour infini pour le noir et de ses moments plus sombres. Hyper généreuse, elle a levé le voile sur quelques détails entourant la création du premier opus complet de KROY. Une rencontre sans filtre, ponctuée de fous rires, où on parle de choses qui font pleurer.

    KROYBien installées dans le fauteuil rouge du sous-sol du Cercle, on parle d’abord de façon informelle. Je lui laisse quelques instants pour décompresser. Décontractée, souriante et visiblement satisfaite de son expérience à Rideau, elle souligne l’excellente qualité du son dans la salle. Sur scène, elle est entourée des musiciens Guillaume Guilbault et Maxime Gosselin. «Mon premier spectacle que j’ai fait à vie avec ces gars-là, c’était il y a plus d’un an je pense, au cabaret du Lion d’Or. C’était des versions toutes nues de ces chansons-là», se remémore-t-elle. Malgré les conditions routières exécrables, elle doit retourner à Montréal tout de suite après notre entretien, car Laurence et elle s’envolent vers New York pour faire la promotion de la tournée de Milk & Bone aux États-Unis. «J’aimerais tellement ça rester! J’ai croisé plein d’amis, mais j’ai un vol demain à huit heures du matin. I have to go», mentionne-t-elle avec un peu de déception dans la voix.

    La genèse

    D’emblée, je la questionne sur la naissance de KROY. «C’est l’aboutissement de ce que j’écris depuis un peu toujours. C’est mon projet super personnel», explique-t-elle. Camille affirme toutefois avoir nommé son projet en 2012. «Je m’en rappelle parce que ma page Facebook me le dit (rires).» Pourquoi ce mystérieux pseudonyme? L’auteure-compositrice-interprète raconte qu’il résulte de plusieurs essais, sans véritable signification particulière. «Il vient de nulle part. J’aimais beaucoup les mots à quatre lettres. Je suis restée avec KROY parce que je trouvais que c’était le plus gender neutral. Quand tu vois le nom, tu ne sais pas trop ça va être quoi. Je le trouvais aussi assez agressif dans sa nature avec le ‘’KR’’. J’aimais ça, ça. Il y a plein d’évocations auxquelles j’ai pensé par la suite : que ça ressemble à crow comme une corneille, ça ressemble un peu à cry, mais pas trop.»

    KROYCamille me parle ensuite du son de KROY, qu’elle qualifie de «synth-pop un peu dark». Cette identité musicale, elle l’a forgée en travaillant avec son ami montréalais Marc Bell sur son EP Birthday, paru à l’été 2014. Pour l’album en chantier, on peut s’attendre à une évolution sans dénaturation des sonorités. «Il y a encore beaucoup de synths, mais vraiment plus analogues, plus organiques. Il y a un peu de Vampire Weekend, Youth Lagoon, Portishead. […] Un peu de Beach House dans la sonorité des synthétiseurs. Des choses que j’écoute beaucoup et je pense qu’elles ont un peu transparu là-dedans, tout en évoquant l’esprit du premier EP. Je pense que le son a pas mal maturé», confie-t-elle. River et Monstrosity, deux chansons que l’on retrouve sur le EP, seront d’ailleurs revisitées sur cet opus.

    Le premier bébé

    L’album sortira quelque part à l’automne 2016. Quelques jours après notre entrevue, Camille retournait en studio pour peaufiner le tout et enregistrer les voix finales. «Toutes les chansons ont une structure de faite déjà. Il y a des chansons qu’on a retravaillées le mois dernier, mais, pour la majorité, on a arrêté le chantier il y a peut-être cinq mois. On a eu l’opportunité de les écouter et moi de savoir ce qui me gosse (rires).»

    Initialement prévue plus tôt, la sortie de l’opus a été repoussée en raison de la signature de KROY avec la maison de disques Dare To Care Records et les horaires chargés de la musicienne et de ses gars de studio. «Ça a pris plus de temps qu’on pensait. Mais, je suis super contente parce que ça me donne l’opportunité de prendre un step back et de réaliser que je l’aime encore l’album, encore plus maintenant qu’avant. Je suis vraiment contente du fait que ça vieillisse bien pour moi et j’ai l’impression que ça va peut-être le faire aussi pour les gens.»

    KROYLes sentiments tristes ont, encore une fois, inspiré l’auteure-compositrice-interprète à créer. Lequel domine sur l’album? «La douleur, la haine (rires)! Non, ce n’est pas vrai. C’est en majorité une étape de ma vie qui a duré pendant des années et cet album-là a résulté un peu de ça. Il y a peut-être quelques chansons qui sont ailleurs. Je ne pourrais pas te donner un sentiment qui domine, c’est plein d’affaires. Je pense que c’est tout ça qui fait qu’on est tellement mélangé qu’on a besoin d’essayer d’en dire quelque chose, qu’il résulte quelque chose de ce genre de pêle-mêle d’émotions (silence). Genre, une relation si je peux dire…»

    Ses lignes favorites sur l’album? «On dirait que c’est une question que j’ai rêvé qu’on me pose! Mais, c’est bizarre venant de moi. J’aurais envie que quelqu’un me dise : ma phrase préférée de toi, c’est ça», pense-t-elle tout haut. Après une longue période de réflexion, elle tranche : «Une phrase que j’aime beaucoup, ça dit : Where there were ink on my fingers, now there’s blood on my hands.» On pourra entendre ces paroles, laissant libre cours à l’interprétation, à l’écoute de la chanson Bones.

    Le paradoxe

    En discutant avec Camille, je me rends vite compte du contraste qui existe entre les textes qu’elle livre sur scène et ce qu’elle dégage en personne. La mélancolie de sa poésie semble cohabiter harmonieusement avec sa personnalité lumineuse et son rire contagieux. J’aborde la question : est-ce que c’est par la musique que tu canalises tes parts d’ombre? «La réponse est oui! Je pense qu’avec les gens, je peux être quelqu’un de très enjoué, de bonne humeur. Je pense que dans la vie, j’ai ça comme énergie. Mais, je n’ai jamais écrit une toune contente (rires). Même si ça sonne un peu plus joyeux dans la mélodie, il reste que, si on lit le message qui est en arrière, il y a soit une déception, soit quelque chose qui est dit un petit peu dans l’ironie. C’était la balance que j’avais besoin dans ma vie je pense, d’avoir ce projet-là sur le côté et de savoir qu’il y a ça qui me permet de vivre ce côté sombre de moi.»

    KROYLorsque je demande à Camille qu’est-ce que KROY lui apporte que ses autres projets musicaux ne peuvent combler, je saisis que ses compositions sont à son âme, ce que l’air est à ses poumons. «Ce projet-là, c’est vraiment mon core. Peut importe ce qui se passe dans ma vie, s’il y avait quelque chose qui avait à rester, ça aurait pas le choix d’être ça. Le fait d’écrire et de créer ces chansons-là et de faire un son qui me ressemble tellement et qui me procure autant de satisfaction, c’est quelque chose qui, pour moi, est essentiel. C’est pas un choix, c’est des chansons que j’ai besoin d’écrire», exprime l’artiste avec sincérité. «De me permettre de les faire devant les gens, de les montrer aux gens, ça c’est tellement un plus exceptionnel», ajoute-t-elle les yeux brillants.

    L’inspiration

    Ce qui me fascine le plus dans la musique, c’est la rapidité avec laquelle les artistes composent une chanson. «Souvent, je l’écris en trois minutes et demie», lance Camille. Alors que je n’en reviens tout simplement pas, elle m’explique son processus d’écriture. «J’arrive au piano, il y a quelque chose qui roule dans ma tête et il faut que je m’installe. Ça prend deux minutes pour que je me place dans la tonalité, puis ça arrive. Sinon, j’ai souvent besoin d’écrire des phrases dans mon cell. Je les relis, puis peu à peu, il y a comme une mélodie qui s’installe en les lisant. Je peux partir de cette phrase-là pour écrire le reste de la chanson, une fois que j’ai un univers de setté.»

    Les influences de la musicienne sont variées. «J’écoute beaucoup, beaucoup de musique classique. J’écoute énormément de Mozart, de Chet Baker. Tout ça vient un peu changer la manière dont je fonctionne. Toutes mes playlists que j’écoute sur Spotify ou Songza, ça vient jouer dans comment je crée et le son. Même si c’est Drake ou Sorry de Justin Bieber, je pense que ça influence ce que j’aime après quand je vais en studio», soutient Camille.

    Le visuel

    Il n’y a pas que la musique qui distingue KROY. Le visuel très léché, qui gravite autour du projet, complémente l’expérience auditive. «J’essaie de faire transparaître, dans mon esthétique, quelque chose de très architecturé, tout en restant super minimaliste, mais toujours réfléchi. It looks effortless, mais ce l’est vraiment pas. C’est calculé, mais autant que possible, on le sent pas», précise-t-elle. Ses inspirations? «J’adore l’architecture, big time. Toute la journée, je suis sur des blogues, des Instagram ou des sites web d’architecture, de design. J’aime beaucoup les éditoriaux qui ont une ligne directrice très épurée, très claire. Ça me fait vivre des émotions vraiment intenses (rires).»

    À l’image du côté sombre de sa musique, la couleur de prédilection de l’artiste est le noir. Depuis plus d’un an, Camille ne porte que des vêtements noirs. Lorsque je lui parle de cet exploit, elle me raconte une anecdote savoureuse. «Après un an, j’ai essayé de porter un top rayé. Je n’ai pas été capable de sortir de la maison. Je l’ai enlevé et j’ai remis un chandail noir. Pour vrai, j’aime tellement ça et je m’ennuie zéro de la couleur.» Compte-t-elle exploiter la couleur à nouveau? «Pour l’instant, je ne suis pas prête! Peut-être dans une dizaine d’années!», répond-elle spontanément.

    Personnellement, je suis curieuse de voir les vidéoclips qui mettront en images les compositions de KROY. Un d’entre eux, réalisé par les génies de chez Roméo & Fils, a été tourné au Nevada dans un désert de sel et dans Death Valley. «On était basé à Vegas dans un hôtel des plus crades qui se fait sur la Terre. Une grande expérience, j’ai vécu beaucoup de choses», raconte Camille en rigolant. «J’ai eu la chance de tourner avec une équipe incroyable, c’était vraiment super. J’ai tellement hâte que ce clip-là sorte!» C’est pour bientôt? «Idéalement, il est presque fini.»

    En attendant la sortie de l’album de KROY, prévue à l’automne prochain, vous pouvez découvrir et vous procurer le EP Birthday via son Bandcamp. Et si, comme les miennes, vos oreilles tombent en amour avec ses pièces, je vous conseille de la suivre sur sa page Facebook pour connaître les éventuelles dates de tournée.

    Camille sera également de retour au Cercle avec Milk & Bone le 22 avril prochain en supplémentaire. Elle avait d’ailleurs ce message pour vous : «On a tellement eu de fun la dernière fois. Revenez, amenez vos amis. On va avoir du fun, encore plus que la dernière fois!»

    J’y serai, et vous? Pour patienter, on écoute leur sublime petite dernière Poison.

     

     

    Marie-Thérèse Traversy

    28 février 2016
    Bourse Rideau, Entrevues
    Birthday, Bourse RIDEAU, Camille Poliquin, Dare To Care Records, KROY, Milk & Bone, RIDEAU
  • [Bourse RIDEAU] Emilie & Ogden + Basia Bulat + Foreign Diplomats, Le Cercle, 17 février

    [Bourse RIDEAU] Emilie & Ogden + Basia Bulat + Foreign Diplomats, Le Cercle, 17 février

    C’était presque la nuit. Il était dépassé 22h30 quand je suis arrivée au Cercle pour m’installer aux premières loges du triple plateau de haut calibre présenté par Scène 1425. J’ai oublié ma fatigue à l’entrée. C’était mon dernier arrêt à Rideau cette année, j’allais dormir plus tard. Après tout, ce n’est pas tous les jours que Safia Nolin et Fred Savard fréquentent le même party.

    Emilie & Ogden

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    Emilie & Ogden

    Une petite volière, à l’intérieur de laquelle une lumineuse ampoule était suspendue, se trouvait devant l’imposante harpe Ogden. Emilie Kahn s’est installée derrière son instrument, puis a fait courir ses doigts entre les cordes avec une impressionnante agilité et la grâce d’un cygne. On a aussitôt reconnu la mélodie ensorcelante de la pièce-titre de son album 10 000.

    Le Cercle fut immédiatement plongé dans une ambiance nocturne, magnifiée par les fioritures vocales d’Emilie. Se sont ensuite succédées, comme un rêve éveillé, les compositions Long Gone, Blame, What happened et White Lies. Les dernières notes de la harpiste résonnaient dans le silence pour nous bercer. Après une timide salutation, elle s’est éclipsée et on est revenu à la réalité.

    Basia Bulat

    Basia Bulat
    Basia Bulat

    Après avoir rêvé avec Emilie & Ogden, un magnifique contraste est survenu alors que Basia Bulat a fait renaître le jour sur scène avec sa folk-pop ensoleillée. Venue présenter son quatrième opus Good Advice, sorti quelques jours auparavant, elle est apparue toute minuscule avec sa robe, scintillante et colorée, aux formes géométriques éclectiques. Le nouvel album de Basia tournait en boucle chez moi depuis sa parution et j’avais plus que hâte de le voir prendre vie sur scène. Entourée de son armée de quatre musiciens (claviériste, batteur, bassiste et multi-instrumentiste), elle a commencé à gratter sa guitare électrique sur l’accrocheuse Fool. Le parterre était déjà conquis.

    Avec un accent des plus mignons, Basia s’est adressée à la foule dans un français quasi impeccable. «Ça fait quatre ou cinq fois qu’on vient ici au Cercle. Je m’excuse pour mon français. J’ai déménagé à Montréal il y a un an et demi, donc il faut que je pratique plus. Merci à l’avance pour votre patience avec votre nouvelle québécoise. Ce soir, on va jouer toutes des chansons nouvelles…euh nouveaux ?», s’est questionnée avec humour l’attachante artiste.

    Basia Bulat est ensuite descendue de scène pour chanter Let Me In dans le public (j’ai même eu le privilège de partager quelques mouvements de danse avec elle). C’est à ce moment que j’ai réalisé que cet album était bien différent de ses précédents en spectacle. L’auteure-compositrice-interprète est beaucoup plus dynamique et se permet d’aller plus loin sur le plan scénique.

    Lorsqu’elle est remontée sur les planches, elle s’est mise à jouer du clavier, puis s’est emparée de sa tambourine en sautillant vigoureusement dans tous les sens. Sa voix, légèrement éraillée, conservait toutefois une justesse irréprochable. L’artiste nous a invités à se rapprocher de la scène pour se laisser aller sur la dansante La La Lie, puis a ralenti la cadence avec la pièce maîtresse Good Advice. Pour clore sa prestation, Basia a interprété une de mes pièces préférées sur l’album, Infamous. «Merci, à la prochaine!», a-t-elle lancé le sourire aux lèvres. On se croise les doigts très fort pour un retour imminent de Basia à Québec!

    Foreign Diplomats

    Foreign Diplomats
    Foreign Diplomats

    À la suite d’une entrevue tripante avec eux en début de soirée, j’avais vraiment hâte de voir pour une énième fois le spectacle du jeune quintette composé d’Élie Raymond (guitare, voix), Antoine Lévesque-Roy (basse), Thomas Bruneau-Faubert (trombone, synthés), Charles Primeau (guitare) et Emmanuel Vallières (batterie). Ils ont ouvert en grand avec la pièce You Decide, tirée de leur EP homonyme. Chaque fois, je suis soufflée par leur énergie et leur dépassement sur scène. Avec eux, c’était garanti que la fin de soirée allait lever, même si tout le monde était cerné!

    «Ça a l’air que le party, ça fait longtemps que ça dure ici à Rideau. On est vraiment contents d’être ici, vous n’avez pas fini avec nous! Plus tard en soirée, Antoine, notre bassiste, va se mettre tout nu juste pour vous. La prochaine chanson parle justement de ça», a plaisanté Élie, avant de s’attaquer à Lily’s Nice Shoes!, une composition de leur excellent premier album Princess Flash.

    Le Cercle est ensuite devenu le théâtre musical d’une longue pièce aux sonorités lyriques, Drunk Old Paul (And His Wild Things), également issue de leur opus. Mais, ce n’était qu’une apparence d’accalmie avant la tempête. En effet, le groupe a invité Emilie Kahn à se joindre à eux pour la dernière chanson de la soirée, Queen + King, qui a terminé ce circuit de nuit sur une note plus que festive. Les musiciens et la musicienne se donnaient à fond sur scène en hurlant «The king is dead!» à s’en vider les poumons. Un moment mémorable frôlant l’apogée musicale.

    *Mention spéciale à Thomas pour ses «stépettes» hors de ce monde et sa capacité à ne pas se fouler une cheville et/ou se déboîter une épaule. Tu as tout mon respect.

     

     

     

    Marie-Thérèse Traversy

    28 février 2016
    Bourse Rideau, Région : Québec, Spectacles
    Basia Bulat, Bourse RIDEAU, Emilie & Ogden, Foreign Diplomats, Le Cercle, RIDEAU, Scène 1425

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