Les premières neiges de l’hiver. Ces moments magiques où le temps semble s’arrêter pour laisser place à un sentiment de nostalgie et de bien être sincère. Cet instant où tu retombes en enfance et tu souhaites marcher sous les gros flocons toute la nuit avant de rentrer à la maison te faire un gros chocolat chaud.
C’est dans cet état que le public se trouvait alors que nous marchions, en pleine contemplation, dans les rues du Petit-Champlain sous cette tombée de neige. L’expérience d’un spectacle au Théâtre du Petit-Champlain se vit avant même de pénétrer les lieux; se promener dans les vieilles rues d’un des plus vieux quartiers en Amérique du Nord prépare les mélomanes à la soirée qu’ils vont vivre. Et quelle soirée nous avons passé!
Le spectacle d’Antoine Corriveau est conçu pour des salles intimes, où les gens sont assis et où personne ne dérange pour permettre à l’auditeur de profiter pleinement de la poésie soutenue de l’artiste. Le Théâtre du Petit-Champlain répond à toutes ces attentes et encore plus. Tous les mots se rendaient à nos oreilles avec une clarté impressionnante et la balance du son ne nous a pas rendus sourd, même si certains passages auraient pu être envahissants.
Antoine Corriveau – Photo : Jacques Boivin
Seul sur scène, Corriveau débute cette soirée muni d’une guitare classique avec «Rendez-vous», premier titre sur son plus récent opus (Cette chose qui cognait au creux de sa poitrine sans vouloir s’arrêter). Tout de suite, l’introspection débute et le public se plonge dans son univers poétique à la fois magnifique et sombre. La voix grave de Corriveau déclame les textes sans mélodies extravagantes pour faire ressortir les mots sans compromis. Si le public n’était pas déjà convaincu après les premières chansons de la soirée, «Deux animaux» a certainement ému l’assistance. Les musiciens ont su nous déchirer les entrailles et nous faire pleurer, si ce n’est qu’avec «Parfaite», ce slam qu’Antoine livre avec fougue sur des boucles sonores montées par la violoncelliste Marianne Houle et soutenus par le reste du groupe. La dernière pièce de la première partie nous laissa sur notre faim avec le magnifique titre «Et tu penses que je veux», apparaissant sur Les ombres Longues.
Les yeux pleins d’eau, les jambes molles, le public se mérite une petite pause pour se remettre de ses émotions. « J’ai visité des coins sombres de mon cerveau », « Je me suis remis en question ce soir », sont des phrases qui peuvent être entendues lors d’un entracte d’un spectacle d’Antoine Corriveau.
Antoine Corriveau – Photo : Jacques Boivin
Après une petite jasette sur le sens de la vie, avec notre voisin, Corriveau rapplique seul sur scène avec «Deux Visages», une chanson qui figure sur l’album qu’il a écrit pour Julie Blanche. Dès les premières notes du piano, on sait tout de suite que «Les hydravions de trop» va faire mal, mais pourtant on en redemande. Je crois que lorsqu’Antoine se met au piano, il se passe quelque chose de fort, le public hypnotisé se laisse démolir par la musique qui vient toucher juste à la bonne place. L’exécution incroyable de «Noyer le Poisson» et «Les trous à rats» provoque un rappel qui en provoqua un autre. Lors des spectacles intimes comme celui-ci, le deuxième rappel est souvent marquant, car il n’est pas prévu et il relève de la spontanéité et de l’humeur de l’artiste. Nous en voulions plus et Antoine Corriveau semblait bien s’y plaire en ce temple de la chanson. C’est seul à la guitare qu’il interpréta sous recommandation du public «Le temps des coupes à blanc» (NDLR : recommandation crée avec un enthousiasme assez manifeste par notre collaborateur Julien Baby-Cormier, qui était également présent), ce bijou de chanson qu’il avait justement réarrangé pour son spectacle solo de Coup de coeur francophone.
On ne ressort pas indemne d’une soirée avec le récipiendaire du Lucien du meilleur album indie rock au GAMIQ de cette semaine. Une partie de nous même a changé lors de cette soirée en raison de l’ambiance intimiste, la poésie déchirante, les passages musicaux très lourds et puissants.
Le 7 décembre prochain, Antoine jouera à l’Usine C à Montréal avec 15 cordes, 2 batteurs, un percussionniste, un bassiste et un pianiste. C’est certainement un concert qui vaudra le déplacement dans la grande ville!
Pour sa deuxième édition, Saint-Roch Expérience a convié les foodies et les mélomanes de Québec sur la très chic rue Saint-Joseph pour une journée 100 % locale. C’est ainsi que nous avons pu assister toute la journée à de nombreuses prestations d’artistes de la région de Québec. Si le lecteur habitué d’ecoutedonc.ca connaît très probablement tous ces artistes, le grand public, lui, a fait un grand nombre de découvertes, parfois dans des lieux inusités…
On vous avertit tout de suite : malheureusement, nous n’avons pas pu voir tout le monde étant donné nos effectifs réduits (si jamais ça vous tente de joindre notre équipe…).
15 h : Anatole – EXOSHOP
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Quoi de mieux pour lancer les festivités que notre squelette dandy le mieux habillé de Québec? Et quoi de mieux d’un magasin spécialisé dans la culture skate pour faire découvrir le phénomène Anatole? Dès le départ, les curieux étaient très nombreux… et il y avait beaucoup d’enfants, qui semblaient beaucoup apprécier le coloré personnage (qui leur a décoché quelques sourires et clins d’oeil complices). Alexandre Martel (qui incarne le personnage d’Anatole) avait une grosse journée devant lui (en plus de ses trois prestations, il accompagnait Joey Proteau dans Ego Death et il jouait au gros jam session de fin de soirée), mais ça ne l’aura pas empêché de se donner à fond dans sa synth-pop venue tout droit de la Nouvelle L.A. (Jacques Boivin)
15 h 30 : Gab Paquet – Place FRESK
Gab Paquet – Photo : Jacques Boivin
On va passer rapidement vu que Louis-Solem l’a également vu au District Saint-Joseph, mais bon Dieu qu’il y avait du monde pour la prestation de Gab Paquet à la place FRESK! Encore une fois, de nombreux curieux, mais on a pu reconnaître un très grand nombre de fans du chanteur à la chevelure charmante! Et bien entendu, Gab a donné une prestation époustouflante dans ce qui était un terrain de jeu sur mesure pour lui. Toujours bien épaulé par des musiciens de feu, Paquet s’est servi de tout ce qui lui tombait sous le pied pour sauter, faire des pirouettes et se faire aller les cheveux au vent (qui était plutôt présent), de quoi donner à la nombreuse foule présente d’aussi nombreuses raisons de sourire à pleines dents. (Jacques Boivin)
16 h 30 : Laurence Castera – L’Intermarché
Saint-Roch Expérience a fait sourciller plus d’une personne avec ses lieux insolites pour les prestations. Une de ces idées farfelues, qui comportait quelques défis techniques, en a cependant valu la peine. L’Intermarché a accueilli Laurence Castera et Pierre-Olivier Fortin. Entre les salades préparées, les gâteaux faits maison et d’une ambiance feutrée à base de guitare et de batterie, le tout s’est bien agencé aux chansons de Castera. L’auteur-compositeur-interprète en a profité pour chanter quelques chansons de son album Le Bruit des mots, comme J’te mentirais, En attendant une pièce marquée d’espoir, tout à fait à propos. Quelques personnes semblaient légèrement déstabilisées, mais cet endroit a permis à plusieurs de faire de belles découvertes musicales. Vertige a terminé l’ensemble de chansons, par une participation de la foule. En somme, un excellent moment en bonne compagnie qui nous a ouvert l’appétit pour d’autres prestations. (Marie-Ève Duchesne)
17 h : Anatole – Coyote Records
Revêtu de sa robe turquoise et de son foulard rose, le grand Anatole nous accueillait dans les bureaux de Coyote Records. La diva du rock sexü a encore une fois prouvé qu’elle est authentique et sait livrer un spectacle marquant. Lors de la très excellente chanson Le grand sommeil, Anatole s’est levé sur le comptoir de Coyote pour ensuite s’y coucher comme sur un piano à queue. Quelques personnes ont été un peu déstabilisés par le caractère provoquant du personnage, alors que les habitués regardaient d’un œil amusé les curieux à ce spectacle haut en couleurs. Il livre vraiment un spectacle de musique-performance où les moments théâtraux prennent une place importante dans la mise en scène. Anatole en spectacle, c’est une expérience typique de St-Roch. (Louis-Solem Pérot)
17h30 : Harfang – Place FRESK
Harfang. Photo : Nicolas Padovani
Sous une forme épurée avec une contrebasse et une batterie minimaliste, le groupe de Québec Harfang a joué au coeur de la ville, devant la tour FRESK. L’ambiance était familiale. Malgré un vent qui semblait refroidir les spectateurs – mais pas Harfang – les cinq musiciens ont réussi à braver la température et le vent qui se levait. Ils nous ont réservé tout un spectacle basé sur les plus récentes pièces de l’album Laugh Away the Sun, comme Lighthouse, As You Sing et aussi une très jolie reprise de 8 (circle) de Bon Iver. Les mélodies du groupe ont réussi leur pari : nous réchauffer nos coeurs en attendant d’aller voir d’autres concerts. (Marie-Ève Duchesne)
17 h 30 : Gab Paquet – District Saint-Joseph
Le grand Gab a encore une fois démontré qu’il est le roi. St-Roch Expérience permet aux artistes de rejoindre un public qui n’auraient pas eu la chance de les voir. Gab Paquet a certainement beaucoup profité de cette vitrine, car on entendait beaucoup de réactions de surprise en découvrant son personnage de chanteur de charme. Comme on l’a vu à son spectacle avant Michel Louvain, il sait toujours faire lever les foules, même les plus sceptiques. La scène du District était très étroite, Gab était un peu limité dans ses mouvements, mais les obstacles physiques ne l’ont pas empêché de sauter lors de Coach de Vie ou bien de faire bouger ses fesses pour Diamant. Bien entendu, c’était la folie pour Papa, Maman, Bébé, Amour et Consommations alors que plusieurs fans chantaient allègrement sous le regard amusé des passants les paroles absurdes et rassembleuses de Gab Paquet. C’est toujours un grand moment avec Gab. (Louis-Solem Pérot)
18 h 30 : Val Thomas – L’Intermarché
Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
St-Roch Expérience a visé juste en plaçant une scène à l’Intermarché. L’idée était originale et les artistes ont embarqué à fond dans le concept. Val Thomas était accompagnée par le fidèle Kenton Mail muni d’un snare et d’une ride qui a réussi à très bien faire sonner son petit kit malgré tout. Vincent Lamontagne était à la guitare acoustique et (surprise) Isabelle Cormier était au violon et aux harmonies vocales pour ce spectacle charmant. Ayant vu Val Thomas à deux reprises dans le passé, je dois dire que sa voix se marie très bien avec celle d’Isabelle et le violon vient apporter un côté un peu plus Americana, vieux folk que la guitare électrique d’Alexandre Pomerleau. Cette artiste s’est fait beaucoup remarquer cette année entre autre parce qu’elle livre toujours une prestation impeccable et qu’elle rayonne de bonheur lorsqu’elle joue. C’est toujours un très beau moment passé en sa compagnie, on a hâte de voir la suite pour elle. (Louis-Solem Pérot)
19 h : Harfang – L’Ampli de Québec
Harfang – Photo : Jacques Boivin
La scène de l’Ampli était vraiment bien. C’était une des plus grandes scènes des concerts de la journée et l’endroit étant bien configuré, tout le monde pouvait bien voir. Par contre, la salle a eu des soucis techniques tout au long du spectacle, un des haut parleurs ne fonctionnant pas très bien, il altérait un peu la qualité du son du spectacle. Sinon, le groupe a été impeccable. Cette pop bien réfléchie et complexe demande précision et cohésion, Harfang regroupe très bien ces deux éléments. Ils ont surtout fait des chansons de leur plus récent album que plusieurs chantaient en chœur, même s’il est difficile de se rendre aux notes aiguës que Samuel Wagner va chercher. Bravo à la formation pour leur rigueur et leur prestation impeccable. (Louis-Solem Pérot)
19 h 30 : The Seasons – Devant le District Saint-Joseph
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
Bien joué St-Roch Expérience, bien joué. Faire jouer The Seasons dehors sur St-Joseph en début de soirée alors qu’il fait beau donne un spectacle énergique où la foule volumineuse incite les artistes à en donner plus. C’était les artistes les plus grand public de la journée et plusieurs se bousculaient pour voir un peu Hubert qui a très vite retiré son haut pour le plus grand plaisir de ces dames, et peut-être messieurs aussi, s’ils en ont envie. Les gars sont coulés dans le rock 60’s bien dansant qui déménage. Ils en ont fait chanter et danser plusieurs avec leurs gros succès. «Aaaahhh, c’est eux qui ont fait cette chanson là!» est sûrement la phrase la plus entendue à un spectacle des Seasons. Tout le monde connaît leurs chansons sans vraiment le savoir. Ils ont donné un très bon spectacle, on a juste plus hâte de les voir ce soir à l’Impérial. (Louis-Solem Pérot)
20 h : Laura Lefevbre – L’Intermarché
Laura Lefebvre – Photo : Jacques Boivin
Après le rock mouvementé, on a eu besoin de se reposer le tympan avec Laura Lefebvre qui nous proposait une formule bien spéciale. Elle était en duo avec Joey Proteau (Ego Death) et ils ont décidé de monter un spectacle de reprises de chansons des années 50 et 60 pour le plus grand bonheur de son public. Laura ne semblait pas réaliser ce qu’il se passait autour d’elle : « J’étais certaine qu’on allait être une musique d’ambiance pendant que le monde faisait leur épicerie, je m’attendais pas à avoir un public attentif, merci! » Nous avions affaire à deux superbes chanteurs, leurs voix se mariant très bien. On a même pu entendre deux compositions originales de Laura bien accrocheuses. Cette musique est vraie, cette musique est belle et sincère. Nous avons passé un super beau moment et surveillez ses apparitions, nous passons toujours un très bon moment. (Louis-Solem Pérot)
20 h : Val Thomas – Brasserie Artisanale La Korrigane
Au même moment, se déroulait le concert de Val Thomas. L’endroit, qui reçoit déjà des groupes pour ses soirées à micro ouvert, semblait un peu à l’étroit pour quatre musiciens. Cependant, c’est toujours un plaisir de voir Val Thomas avec sa pop aux accents folk. Sa présence sur scène a bien été reçue par son auditoire. Avec ses musiciens Kenton Mail (batterie), Guillaume Sirois (basse) et Alexandre Pomerleau (guitare), ils formaient un tout et avaient une chimie parfaite entre eux. Toujours un coup de coeur pour la pièce Maze, que je ne me lasse pas d’entendre. (Marie-Ève Duchesne)
21 h : «Jam session» Talents d’ici – Impérial Bell
Jam session / Talents d’ici – Photo : Jacques Boivin
Saint-Roch Expérience a fait preuve d’audace en programmant plusieurs concerts dans des lieux inusités. Pour célébrer le talent local (et il y en avait sur cette scène!), ils ont su mettre ensemble la crème de la crème dans un Impérial Bell qui n’a pas tardé à afficher complet (on a même dû ouvrir le balcon). Pour cette fin de journée, on a mis de l’avant l’esprit de famille et la grande complicité entre les artistes qui règne à Québec.
Caravane nous a décoiffé avec son rock en français, qui allait dans tous les sens. Le quatuor avec le chanteur Dominic Pelletier a su réveiller la foule. Puis c’était au tour de Pascale Picard de nous accueillir dans son monde avec Haunted Spaces. Elle a enchaîné avec Gate 22, qui a été chantée avec la foule. Le groupe The Seasons a ensuite partagé la scène avec elle pour faire un duo, tout en énergie et en rock des années 60′. Hubert en a profité pour faire plusieurs bains de foule et pour faire plusieurs covers. Anatole est monté sur scène pour un duo sur You Get What You Give. Tout en sensualité avec son ensemble jaune ocre, la foule semblait apprécier. Le temps de trois chansons, nous étions dans l’univers pour L.A / Tu es des nôtres. En se déhanchant, il a aussi séduit des gens à travers la foule.
Jam session / Talents d’ici – Photo : Jacques BoivinJam session / Talents d’ici – Photo : Jacques Boivin
Gabrielle Shonk nous a ensuite réservée plusieurs chansons de son album à paraître le 29 septembre prochain. Les univers des artistes ont été arrangés des mains de Simon Pednault. Habit a été fredonnée par plusieurs personnes. Tire le Coyote a ensuite chanté Jolie Anne autour d’un micro avec Shonk. Les énergiques Chainsaw et Calfeutrer les failles ont été dynamités par la présence de Shampouing à la guitare. Le mélange des styles se mariait ensemble et il y en avait pour tous les goûts autant avec Karim Ouellet et Koriass. (Marie-Ève Duchesne)
Conclusion
Medora. Photo : Nicolas Padovani
L’année dernière, l’équipe de 3 E avait misé gros en organisant ce qui ressemblait à un mini festival d’été. Certains spectacles avaient été couronnés de succès, d’autres un peu moins (surtout en raison du temps maussade). Les ajustements apportés cette année apportaient une dimension beaucoup plus humaine au volet musical de l’événement (malheureusement, on n’a pas eu trop le temps de déguster tout ce qui s’offrait çà et là… et ça sentait bon un peu partout!). Cette idée de présenter des artistes de Québec dans des lieux souvent visités, mais pour des raisons autres qu’une prestation, était géniale.
Ego Death. Photo : Nicolas Padovani
Bon. Je vous avoue que je n’ai pas eu trop de neuf à me mettre sous la dent, connaissant bien l’ensemble des artistes au menu. Mais j’imagine la personne de Québec qui écoute la radio commerciale et se tient normalement sur les Plaines pendant le Festival d’été voguer d’un lieu à l’autre pour découvrir ce que nous avons de mieux à offrir. Cette personne a pu entendre un peu de tout, de la pop déjantée d’Anatole et Gab Paquet au folk (rock ou pas) de Laura Lefebvre, Val Thomas et Ego Death, en passant par la pop indé de Laurence Castera, les atmosphères feutrées d’Harfang et le bon vieux rock bien rétro de The Seasons, indé de Medora ou bien bluesé de Caravane. Elle a dû se rendre compte que notre scène, qui ne joue que très peu sur les ondes (et dont on parle aussi peu dans les grands médias, quoique certains font de grands efforts pour les mettre en valeur), a un dynamisme hors du commun (qui fait jaser de plus en plus loin).
Jam session / Talents d’ici – Photo : Jacques Boivin
Cette scène locale, on a continué à la célébrer dans un Impérial Bell bondé (à la grande surprise de pas mal tous les intervenants – une surprise doublée d’un grand bonheur). Des artistes plus établis se sont joints aux artistes plus émergents et ont partagé ensemble de beaux moments.
Malheureusement, on a manqué le spectacle du rappeur français MHD de dimanche. Trop exténués par ce samedi complètement fou.
Jam session / Talents d’ici – Photo : Jacques Boivin
Non, tout n’était pas parfait, c’était parfois le chaos entre les prestations qui ont souvent commencé en retard parce qu’un artiste devait courir d’un lieu à l’autre… Mais ce chaos, qui peut parfois surprendre parce que l’événement était organisé par des gens qui ont l’habitude de voir plus gros, avait un petit côté charmant qui peut nous rappeler d’autres événements et festivals de taille plus modeste. Ce côté charmant, ecoutedonc.ca s’y trouve comme un poisson dans l’eau. Mis à part quelques petits ajustements somme toute mineurs (en laissant aux artistes le temps de bien se préparer avant d’entrer en scène, par exemple), on souhaiterait que l’équipe de 3 E ne touche à rien.
De toute façon, avec tout le talent qu’on a ici, on peut facilement répéter l’expérience avec une autre bande d’artistes complètement différents!
À répéter absolument l’an prochain. On réserve déjà notre samedi! (Jacques Boivin)
Medora. Photo : Nicolas Padovani
Gab Paquet. Photo : Nicolas Padovani
Gab Paquet. Photo : Nicolas Padovani
Gab Paquet. Photo : Nicolas Padovani
Gab Paquet. Photo : Nicolas Padovani
Gab Paquet. Photo : Nicolas Padovani
Gab Paquet. Photo : Nicolas Padovani
Medora. Photo : Nicolas Padovani
Medora. Photo : Nicolas Padovani
Val Thomas. Photo : Nicolas Padovani
Val Thomas. Photo : Nicolas Padovani
Val Thomas. Photo : Nicolas Padovani
Val Thomas. Photo : Nicolas Padovani
Val Thomas. Photo : Nicolas Padovani
Harfang. Photo : Nicolas Padovani
Harfang. Photo : Nicolas Padovani
Harfang. Photo : Nicolas Padovani
Harfang. Photo : Nicolas Padovani
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Anatole. Photo : Nicolas Padovani
Anatole. Photo : Nicolas Padovani
Anatole. Photo : Nicolas Padovani
Anatole. Photo : Nicolas Padovani
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Gab Paquet. Photo : Nicolas Padovani
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Ego Death. Photo : Nicolas Padovani
Ego Death. Photo : Nicolas Padovani
Ego Death. Photo : Nicolas Padovani
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Ego Death. Photo : Nicolas Padovani
Ego Death. Photo : Nicolas Padovani
Ego Death. Photo : Nicolas Padovani
Medora. Photo : Nicolas Padovani
Medora. Photo : Nicolas Padovani
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Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
Anatole – Photo : Jacques Boivin
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Gab Paquet – Photo : Jacques Boivin
Gab Paquet – Photo : Jacques Boivin
Gab Paquet – Photo : Jacques Boivin
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Gab Paquet – Photo : Jacques Boivin
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Gab Paquet – Photo : Jacques Boivin
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Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
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Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
Val Thomas – Photo : Jacques Boivin
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Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
Harfang – Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
The Seasons : Photo : Jacques Boivin
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Laura Lefebvre – Photo : Jacques Boivin
Laura Lefebvre – Photo : Jacques Boivin
Laura Lefebvre – Photo : Jacques Boivin
Laura Lefebvre – Photo : Jacques Boivin
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Laura Lefebvre – Photo : Jacques Boivin
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Jam session / Talents d’ici – Photo : Jacques Boivin
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Antoine Corriveau – Cette chose qui cognait au creux de sa poitrine sans vouloir s’arrêter (Coyote Records)
L’automne passé, Antoine Corriveau nous livrait l’album Cette chose qui cognait au creux de sa poitrine sans vouloir s’arrêter, qui du reste s’est hissé dans plusieurs palmarès des meilleurs albums de 2016. Malgré la saison estivale des pintes sur les terrasses, ce disque mélancolique reste efficace et plonge encore son auditeur dans un état de recueillement. Intense sur scène, Antoine Corriveau foulera plusieurs planches cet été, notamment celles de la Chapelle des petites Franciscaines de Marie le 20 juillet prochain lors du Festif! de Baie-Saint-Paul. Le set up annonce un moment intime et profond à l’intérieur d’une ambiance survoltée. Les habitués du Festif! savent de quoi je parle.
En lice pour le Music Polaris Prize, L’auteur-compositeur-interprète m’a lancé un coup de fil pendant lequel nous avons épluché quelques aspects de son dernier opus. Antoine s’est également prêté au jeu du quiz musical avec générosité, ce qui risque de plaire aux curieux.
La musique
Antoine Corriveau – Photo : Jacques Boivin
C’est dans l’idée de faire les choses autrement qu’Antoine Corriveau s’est engagé dans un processus créatif qui l’aura mené vers ce qui deviendra son troisième album en carrière. En collaboration avec Nicolas Grou à la réalisation, Stéphane Bergeron à la batterie, Marianne Houle aux arrangements de cordes et Rose Normandin aux arrangements de cuivres, Corriveau a réalisé son désir de se libérer du carcan musical folk où la guitare prime pour laisser la chance aux autres instruments d’asseoir leurs lignes mélodiques sur les chansons. C’est à partir d’ébauches de pièces composées à la guitare que les 5 musiciens ont plaqué des mélodies qu’ils ont cherché à développer le plus possible : « Au niveau de la musique, on l’a fait beaucoup à cinq. On est parti des versions de mes maquettes de chanson. Une fois qu’on avait enregistré les progressions d’accords, les voix pis le groove, ben on enlevait , si tu veux, les instruments rythmiques comme la guitare et le piano pour voir un peu quel autre genre de mood on pouvait donner. Tout le monde tirait un peu la couverte de son bord. Quand c’était pas les brass, c’était les cordes, c’était le piano, c’était la guitare. Tout le monde a de grosses parts mélodiques dans chaque chanson. On a vraiment construit l’album de façon à ce que tout ça puisse cohabiter. Ça fait en sorteque chaque part a sa place dans le mix et que personne ne se pile dessus et que ça sonne aéré. Au final, c’est un résultat quand même chargé avec les cordes, les brass, mais ça demeure simple».
La période qui précède l’enregistrement a également eu son rôle à jouer dans l’aboutissement des mélodies imposantes de l’album. C’est d’ailleurs lors de la semaine de pré-production que la magie a opéré entre les musiciens: « Ce qui a peut être influencé les arrangements et la production c’est la semaine de pré-prod au début du processus. Pendant 6 jours, on a juste défriché les chansons, fait le tour pour voir comment on pouvait les arranger, vers quelle direction on les apporte. C’est là que la synergie de groupe a comme buildé la base des chansons ». Afin de recréer cet espace temps créatif, Corriveau et ses acolytes se sont réunis quelques jours au studio à la fin du processus d’enregistrement : « Quand on a enregistré l’ensemble à corde, on a dû le faire dans un plus grand studio. On s’est pris, vers la fin de la production, un trois jours de plus comme pour boucler la boucle. On voulait finir l’album comme on l’avait commencé avec la pré-prod avec Stéphane, Marianne et Nicolas. On se disait que tout était là dans les chansons et on se demandait comment on pouvait les fucker up! Qu’est-ce qu’on pouvait ajouter? On voulait s’amuser et essayer des affaires. C’est ce qui explique aussi l’esprit collaboratif derrière le disque».
Les textes
Antoine Corriveau / Photos: Marion Desjardins
Dans les Ombres longues, son album précédent, Antoine Corriveau jonglait entre les thèmes de la rupture et du Printemps érable de manière à laisser à l’auditeur le loisir d’interpréter le sens des textes comme il le voulait. Or, les propos du dernier album seraient plus explicites selon l’artiste puisqu’ils sont tirés de sa réalité. Corriveau s’explique : « J’ai l’impression que l’écriture de ce disque-là est plus claire et plus limpide de ce que j’aurais pu écrire dans le passé parce que c’est très collé quand même sur moi. Mais à la base, je suis parti du thème – en fait j’avais lu des articles sur le tourisme macabre. C’est des gens qui vont visiter Tchernobyl, Auschwitz. Cette fascination pour la mort, les trucs un peu dark… On a tous un peu une partie de nous un peu voyeur. C’est présent dans le psyché humain, l’intérêt de toujours un peu pousser les limites, voir à quoi ça se ressemble un peu plus loin. Mais tsé, jusqu’où tu vas avant que ce soit trop loin?»
Antoine Corriveau / Photos: Marion Desjardins
Antoine raconte également qu’il devait s’approprier ces imageries macabres afin de pouvoir écrire ces chansons et leur insuffler un aspect plus personnel. Ainsi, l’histoire derrière la 8e chanson de l’album, Musique pour la danse, est tirée d’une véritable expérience vécue à Cuba avec un ami où des femmes issues d’un contexte social défavorable courtisaient les voyageurs pour un peu d’argent: « C’est un voyage que j’ai fait à Santiago de Cuba. J’étais avec un ami, on était deux gars dans la trentaine et on se faisait constamment harceler par les filles pour du sexe. Pis chaque soir, quand on se couchait, on entendait la musique live des bars jusqu’aux petites heures. Je trouvais le contraste frappant entre les situations vraiment tristes qu’on avait vécues avec des filles qui sont un peu désespérées et la musique cubaine super joyeuse. C’est ce que j’essayais d’illustrer dans cette chanson».
Entre l’ombre et la lumière
Antoine Corriveau / Photos: Marion Desjardins
Une fois l’album terminé, Antoine Corriveau avoue qu’il s’est écoulé quelque temps avant de pouvoir assimiler ce qu’il venait de produire : « Ça m’a pris quelques écoutes avant de catcher ce qui se dégage comme feeling d’ensemble. J’ai le sentiment que c’est peut être un disque qui est quand même chargé, qui ne se digère pas facilement. Mais en même temps, c’est un disque qu’on a fait sans trop se poser de questions, en suivant notre instinct». Par ailleurs, Antoine Corriveau se questionne sur la nécessité de souligner systématiquement les côtés sombre et mélancolique de son oeuvre: « Le trois quart de la musique anglo-saxonne est comme ça. Tout le monde trippe justement sur Nick Cave, Radiohead, PJ Harvey. Ces bands là vont venir à Montréal et remplir de grosses salles et personne ne se pose de question. J’ai l’impression que c’est un peu à cause que les textes sont en français et qu’au Québec on accorde peut-être une plus grande importance à ça que quand on écoute de la musique d’ailleurs». L’artiste souhaiterait qu’on ne lui appose pas l’étiquette du «prince des ténèbres», car bien que les textes soient plus sombres que l’album précédent, il demeure que la musique est davantage touffue et éclatée: «Dans le choix de l’orchestre à corde et des brass un peu flamboyants, c’est sur qu’il y a un côté tragique grec, c’est intense! En même temps, on écoute ça pis on trippe. C’est justement un trip de faire ça après le disque précédent qui était plus dans le folk pis dans le rock. Je sens que je fais autre chose et c’est ça qui fait que je suis excité ». Pour Antoine Corriveau, l’intérêt de faire de la musique est justement d’évoluer et de mélanger des références musicales différentes pour aboutir à un résultat qu’il n’a jamais entendu auparavant : «C’est une ambition que j’ai pour tous mes disques; d’essayer de nouvelles affaires. Je pense qu’un jour je ferais un disque dansant pis pour moi, ça va être normal».
Le quiz musical
Vinyle, CD ou Streaming?
Vinyle. Parce que je suis attaché à l’objet, mais surtout au principe d’album. J’aime les albums qui sont des touts et tant qu’à rester stické sur un support physique, je préfère celui qui a la meilleure qualité audio. J’aime aussi que le Artwork soit gros. J’aime le côté tangible du vinyle qui vient avec l’obligation de tourner le disque de bord. T’as pas le choix d’être dans le moment présent et te concentrer sur la musique, sur l’album.
Tes trois albums cultes?
Attends un peu, je vais aller devant mes vinyles, ça va m’aider un peu! Déjà je te dirais Bringin It All Back Home de Bob Dylan. Ça c’est pas mal mon album d’île déserte. Je pense que je dirais Le Dôme de Jean Leloup. Je vais te dire aussi Roots de Curtis Mayfield.
Qu’est-ce que tu écoutes quand tu te déplaces, que t’es en mouvement?
Honnêtement, j’aime écouter de tout parce que j’écoute beaucoup de musique quand je suis en mouvement justement. J’aime beaucoup écouter la musique avec des headphones. Donc quand je marche, j’écoute beaucoup de musique. Je suis beaucoup le mood et c’est vraiment trippant pour moi de mettre de la musique dans le char, parce que j’aime choisir la musique qui va fitter avec la route sur laquelle on est et le moment dans lequel on est. Par exemple, quand on est en tournée et qu’on a dormi deux heures, que tout le monde est poqué, je sais que c’est la toune The Greatest de Cat Power qui doit jouer. Ensuite j’enchaîne avec d’autre pièces. J’aime le concept de playlist que je choisis. Je suis pas du genre à me mettre sur random et accepter ce qu’on me donne.
Qu’est-ce que tu écoutes quand t’es dans le mood for love?
Le mood for love… J’aime ben la musique instrumentale. Sinon, un de mes classiques lover c’est Blue Hawaii Elvis.
Quelle musique te fait grincer des dents?
Ben des affaires, honnêtement! Je trouve quand même qu’il y a beaucoup de marde qui sort. J’ai de la misère avec Nicolas Ciccone. J’ai ben de la misère. La surenchère vocale quand l’émotion passe pas et que t’essaies juste d’éblouir avec tes capacités vocales. Je décroche dans ce temps là.
Quelle serait ta musique de prédilection pour tes funérailles?
Bob Dylan. C’est pas mal celui qui revient tout le temps.
C’était un Lary Kidd énergique qui nous demandait de « faire du fucking noise » vendredi dernier à la Petite Boîte Noire de Sherbrooke… et sa requête ne se fît pas ignorer. Membre fondateur du groupe Loud Lary Adjust, notre patnais Lary Kidd se produisait ce soir-là en formule solo (accompagné seulement d’un DJ) dans le but de promouvoir son premier album, Contrôle, qui paraîtra prochainement. Il y a environ huit mois, Loud Lary Adjust annonçaient qu’ils se retiraient de la scène pour une durée indéterminée afin de pouvoir se concentrer sur leurs projets respectifs. Les gars n’ont pas chômé : Lary n’a même pas encore sorti d’album qu’il se produit déjà dans les salles du Québec, et Loud vient tout juste de sortir son premier EP, New Phone.
Hypothèse : il y a une certaine compétition entre les membres de LLA, et c’est le premier qui se taillera une place dans le monde du rap queb qui en sortira vainqueur. Totalement plausible.
La soirée commença avec DJ OliHood (10/10 pour le nom, en passant), qui réchauffa la salle de son DJ mix aux influences hip hop et trap. Puis, ce fut au tour de Lary, qui arriva sur scène avec son coat de cuir. On ne l’a pas vu longtemps celui-là : plus le spectacle avançait, moins il y avait de vêtements! Voir Lary Kidd finir un show en bédaine : check.
Si je me fie à son calendrier de tournée, cet arrêt à Sherbrooke paraissait être le premier vrai spectacle solo du rappeur (son unique autre spectacle solo était un DJ set). Lary Kidd en profita pour nous proposer quelques nouvelles chansons tirées de son prochain album ainsi que des chansons de LLA que les fans ont reconnu tout de suite. Parmi les nouvelles chansons, notons la très solide Les palmiers brûlent dans la nuit, qui fut interprétée sans Yes McCan des Dead Obies, à la déception de tous. Pas grave : McCan avait probablement quelque chose à faire, et puis c’était vraiment le show de Lary et personne d’autre (même son DJ, DJ Manifest, se tenait assez tranquille dans son coin).
Toujours le plus tendance, Lary n’a pas hésité à faire une reprise franglaise du plus gros hit trap de l’heure, Bad And Bougee de Migos. C’était aussi étrange que c’était logique : l’Atlanta sound qu’ont popularisé Migos se retrouve partout dans le rap québécois moderne. L’influence se faisait évidente dans les beats de Lary, toujours lents, nocturnes, éthérés et résolument trap.
Mais ce qui a failli voler le show, c’était les projections lumineuses générées en live (au grand dam du photographe qui tentait tant bien que mal de capturer les effets hallucinants desdites projections). Ce côté visuel un peu psychédélique a parfaitement agrémenté la musique de Lary, déjà assez intoxicante en soi. Il n’y a pas à dire, le rappeur était accompagné d’un éclairagiste talentueux.
Le rappeur a terminé sa prestation avec deux de ses meilleures chansons, soit celle que tout le monde attendait, XOXO, de LLA, puis la chanson-titre de son album, Contrôle. De quoi finir la soirée en force.
Il y a trois ans, Ludovic Alarie présentait un bouquet de chansons fragiles et magnifiques sur son premier album éponyme. Ses compositions baignent dans un folk riche mélodiquement et teinté par de brillantes collaborations avec entre autres Adèle Trottier-Rivard et Warren Spicer qui officie habituellement au sein de Plants & Animals. Alarie récidive avec L’appartement, son deuxième album solo enregistré par le même trio, mais de façon différente. Nous en avons donc profité pour discuter avec le principal intéressé du processus créatif entourant cette nouvelle parution.
Une approche nouvelle
Ludovic mentionne d’emblée qu’il s’est présenté à la session d’enregistrement avec des progressions d’accords qui lui permettraient d’improviser en studio avec les musiciens. « Souvent on a gardé la première « take »; quand je crée quelque chose, je trouve que la première fois que tu le joues reste la plus unique et souvent la meilleure. » C’est avec Adèle et Warren que Ludovic peaufine les arrangements; les deux sont donc très présents sur l’album. « Il y a toujours deux guitares sur les pièces, l’une c’est moi, l’autre c’est Warren. On a pas mal les mêmes goûts et les mêmes références. On n’a pas besoin de trop en parler, quand on joue ça vient naturellement. » Une place beaucoup plus importante a été laissée aux claviers et c’est lors des sessions initiales que ces textures construites autour d’échantillons vocaux ont été trouvées. Puisque les pièces ont été bâties sur des improvisations instrumentales, on retrouve beaucoup de passages sans paroles sur la version finale du disque, dont 3 courtes pièces entièrement instrumentales.
Un peu de lumière
Lorsque je lui fais remarquer que le début de l’album est plus lumineux que ce à quoi il nous avait habitués, il poursuit: « Les trois premières pièces n’étaient pas supposées être sur l’album. On les a montées entièrement en studio. C’est un peu un hasard [ce côté plus lumineux]. Ce sont de belles surprises qui peuvent arriver en studio. »
À l’image de la pièce Mon Tendre sur le premier album, Sang-Froid se retrouve dans deux incarnations différentes sur l’album. « Je trouvais que la version avec le band était trop rapide, j’ai donc refait une autre version que je trouvais finalement trop lente. Comme les deux versions sont différentes, j’ai décidé de mettre les deux. Ça faisait aussi un petit clin d’oeil au premier disque. »
L’album a donc été enregistré sur 3-4 jours avec la participation de musiciens supplémentaires, dont le bassiste Mishka Stein (Patrick Watson) et le batteur Matthew Woodley (Plants & Animals). Après ces sessions d’enregistrement, Ludovic a passé environ 3 mois à ajouter des paroles et à enrichir les pièces en ajoutant des « overdubs ». On pourrait croire qu’il est quelque peu angoissant de n’avoir que quelques jours pour créer un album, mais Ludovic se montre plutôt zen: « Le fait que je sois avec des musiciens que j’adore et que j’admire facilite beaucoup cet aspect ».
Questionnaire musical en vrac:
Quelle est ta façon favorite d’écouter de la musique?
Quand je m’endors.
Quelle serait la chanson parfaite pour un roadtrip?
Attends, il y en a plein… Jim Cain de Bill Callahan.
Quel est ton disque favori de 2016?
Le meilleur disque de 2016 c’est David Bowie, mais l’artiste que j’ai le plus écouté en 2016 c’est Sun Kil Moon. J’aime beaucoup les artistes où tu peux choisir quelle période tu veux écouter et ensuite écouter un album plus ancien et retrouver ce que tu aimes de l’artiste malgré l’évolution.
Si tu pouvais choisir un artiste qui sortirait un album en 2017 quel serait-il?
Je sais que Sun Kil Moon sort un album double bientôt, j’ai très hâte. Sinon il y a Bill Callahan qui serait dû pour un album.
As-tu des goûts musicaux que tu assumes moins?
Non, j’écoute beaucoup de R&B et de Hip-Hop dans les dernières années, mais ce n’est pas quelque chose que j’assume moins… C’est juste différent de ma musique.
Te rappelles-tu du premier concert marquant que tu as vu dans ta vie?
Oui, c’était Malajube au Club Soda. J’avais vu The Police la veille au Centre Bell. Le lendemain c’était le show de Malajube et j’en revenais pas comment j’étais proche de la scène. Ça m’avait marqué l’énergie dans une petite salle.
Si tu pouvais revenir en arrière et vivre n’importe quel show dans l’histoire, qu’est-ce que tu choisirais?
C’est quoi le show que j’aimerais voir? Attends, il faut que j’y pense 2 secondes… [longue hésitation] Je sais vraiment pas… sûrement un show de Neil Young dans les années 70. Il y a le live at Massey Hall qui est vraiment bon, il est seul avec sa guit acoustique.
Ludovic Alarie, L’appartement sort aujourd’hui, le 27 janvier, sur Coyote records.
Les lecteurs réguliers d’ecoutedonc.ca savent que j’aime beaucoup Antoine Corriveau. Sur Les ombres longues, paru en 2014, il a réussi à imprimer un style qui lui est propre, un espèce de folk-rock plutôt sombre tant dans la musique que dans les textes (qui sont de petits bijoux). La barre était donc très haute pour le successeur des Ombres longues.
Arrive aujourd’hui Cette chose qui cognait au creux de sa poitrine sans vouloir s’arrêter, le troisième album de Corriveau. A-t-il réussi à combler les attentes peut-être trop élevées de votre humble serviteur?
Ça serait un euphémisme.
Cette chose… est un album dans une classe à part. Moins axé sur les guitares que les précédents, riche en arrangements d’instruments à cordes et à vent, aussi lent que langoureux, cet album ne fait pas que s’écouter, il se ressent, il se vit. La première pièce, Rendez-vous, reprend un peu là où on s’était laissés sur Les ombres longues. On reconnaît tout de suite la voix d’Antoine et son regard parfois brutal sur le monde qui l’entoure. Mais aussitôt qu’on embarque dans Les contours clairs, on devient un brin chamboulé. Les émotions suscitées par les magnifiques arrangements de cordes (bravo Marianne Houle), accompagnés de la batterie et des percussions de Stéphane Bergeron ainsi que d’instruments à vent qui ont l’effet d’une chape de plomb sur cette poitrine qui se fait cogner dessus sans cesse, sont difficiles à décrire. On est loin du bonheur que peuvent nous apporter des Avec pas d’casque ou Saratoga. Même les tragédies chantées par les autres semblent banales par rapport à la proposition de Corriveau. Derrière la console, Nicolas Grou a réussi à bien doser le tout, ce qui permet d’amplifier cet effet « chape de plomb » qu’on ressent tout au long de l’album sans jamais tomber dans un malaise qui nous ferait arrêter l’écoute.
Difficile de ne pas fondre en larmes à l’écoute de Deux animaux, où Corriveau se montre plus vulnérable que jamais :
Et tu me demanderas, un jour tu me demanderas si ça marche comme ça Quand tu ravales tes mots à moitié nue, tu tournes ta langue cette fois à moitié là Sur combien et comment tu as déjà aimé cette envie de mourir Je te répondrai que j’ai déjà aimé cette envie de mourir avec toi
On sent Antoine se fissurer en chantant ces mots. On le voit tomber dans ce trou, et on le voit tomber ainsi jusqu’à la dernière chanson, la magistrale Les trous à rats. On y reviendra.
Antoine Corriveau – Crédit photo : LePetitRusse
Ça n’empêche pas Corriveau de s’offrir quelques petits moments plus aériens, notamment sur Constellations, où Fanny Bloom (qui a un EP qui porte le même titre…) et Corriveau sont dans les airs plutôt que dans tous ces trous.
Sur Parfaite, Corriveau fait dans le spoken word et insère en trois minutes tant de mots qu’on s’essouffle juste à l’écouter, du moins à la première écoute. Les plus courageux seront récompensés, Parfaite est un magnifique poème essoufflant, certes, mais il vient accélérer ce coeur qui continue de battre malgré tout ce poids qu’il a sur lui.
Juste un peu dure plus de sept minutes, mais ce sont sept minutes qui passent extrêmement rapidement. La chanson résume bien l’ambiance générale de l’album (faut dire que tout y est, même les paroles plus marmonnées que chantées dans les couplets et l’opposition cordes aériennes/vents lourds).
On a encore les yeux humides en écoutant Les hydravions de trop, chanson dépouillée par rapport au reste de l’album. Pas d’orchestrations complexes, pas d’arrangements lourds, juste un piano, un violoncelle, une choriste et Corriveau qui réussit une fois de plus à nous toucher droit au coeur. Comme les trous, les avions reviennent souvent sur cet album, comme quoi on peut se servir de n’importe quoi pour exprimer des hauts et des bas quand on a un peu de talent. Et Corriveau en a énormément.
Antoine nous avait gardé le meilleur pour la fin : Les trous à rats.
Il est déjà trop tard Tout le monde est déjà mort Tout a fermé ses portes, tout sauf les trous à rats Où je vais m’en aller pour descendre encore plus bas
Ben oui, il descend encore. Et encore. Les vents arrangés par Rose Normandin sont comme un coup de grâce : il fait chaud dans les bas-fonds. Et pourtant, après un mur sonore qui vient comme nous réveiller d’un cauchemar, c’est au fond de ce trou que Corriveau semble avoir trouvé la lumière. En effet, la mélodie du dernier droit de cette chanson est remplie de lumière, une lueur d’espoir qu’Antoine exprime en fredonnant doucement. Peut-être qu’il ne fait que lâcher prise, mais c’est pas grave, ça fait du bien.
Après ces 46 minutes passées sous cette chape de plomb qu’est Cette chose…, il arrive quelque chose d’étrange : tout à coup, on apprécie mieux le silence. On prend le temps de décanter, d’analyser ce qui vient de se passer. Corriveau et ses complices ont réussi ici à nous faire vivre des émotions qu’on ressent rarement en écoutant de la musique. C’est difficile à exprimer, mais j’ai vraiment été chamboulé. Les trous à rats me hante, la chanson s’est glissée dans ma tête et y joue sans cesse. Chaque fois que j’entends le fameux mur sonore du milieu de la pièce, j’ai l’impression que toutes les chaînes qui accompagnent ce mal-être (que je vis peut-être vraiment, qui sait?) se brisent et me libèrent.
Cette chose qui cognait au creux de sa poitrine sans vouloir s’arrêter est pour moi, sans contredit, l’album québécois de 2016. Pour ses émotions. Pour les expérimentations. Pour son caractère complètement unique dans notre paysage musical. Quand on sait à quel point 2016 aura été un grand millésime, c’est tout un exploit.
On va s’en rappeler longtemps, de celui-là. Allez vite l’écouter. Et venez avec moi voir Corriveau au Cercle le 27 octobre prochain. J’ai l’impression que ça va être mémorable.
C’est le lancement du nouvel album du vétéran de la scène électronique de Québec Millimetrik qui m’a donné l’occasion de me rendre au Maëlstrom pour la première fois, alors que le café/bar est ouvert depuis quelques mois dans le local de l’ancien Babylone. Manifestement pas tout à fait adapté pour les concerts, mais élégamment décoré et plutôt chaleureux malgré un style sobre, l’endroit est parsemé de tables, et elles étaient toutes occupées pour le set. Certains terminent un repas alors que l’artiste prend la parole pour se présenter et procéder aux habituels remerciements. On lui cède le silence avec courtoisie et il annonce que le set qui allait commencer incessamment comporterait exclusivement des pièces tirées de son plus récent album, Fog Dreams. L’album qui succède à Lonely Lights, lauréat électronique au GAMIQ, a été dévoilé au public il y a près de deux mois mais le lancement était l’occasion d’un contact privilégié avec le nouveau matériel.
Le setlist avait de toute façon été annoncé la veille et la prestation offerte s’est grosso modo déroulée comme annoncée, pour le plus grands plaisir des gens qui étaient là pour l’écouter. Les pièces sélectionnées étant les plus rythmées en général, elles se transformaient lorsque présentées devant public en « bangers », qui incitaient à hocher de la tête allègrement. Le style de Millimetrik, qui a généralement incorporé des sonorités électro-ambiantes et hip-hop-instru, on le trouve encore plus raffiné sur ces plus récentes compositions, qui adoptent des rythmes variés. La batterie a toujours fait partie du son et des performances de l’artiste, qui bat également les peaux au sein du quatuor stoner rock de Québec Les Indiens, mais il n’avait pas trimballé ses tambours pour l’occasion. Le style plus électro presque house qui s’incorpore parfois aux pièces du nouvel album justifiait la performance qui était donc somme toute plus standard pour un artiste électronique.
Les pièces du nouvel album sont parfois le fruit de collaborations avec des artistes d’ici et c’est une de ces collaborations qui a quasiment ouvert le set, la première partie de «Peninsula Mist», qui a été présentée juste après la seconde et qui mise sur la voix et les rimes de King Abid, son partenaire d’étiquette de disques chez la boîte de Québec Coyote Records, à qui on doit aussi les albums de Karim Ouellet, Claude Bégin et, tout récemment, D-Track et Rednext Level, entre autres. Millimetrik a toujours eu un côté hip hop, plus ou moins central selon les albums, et celui-ci y a encore recours comme sur cette excellente pièce. Avec le titre plus électro qui a terminé la performance en beauté, «Port Ellen Bass», où l’on peut entendre la voix éthérée de Maude Audet, il s’agissait à mon sens des deux moments les plus forts du set, ce qui n’est pas étranger au fait que ce sont aussi mes deux titres préférés sur le nouvel album.
Des applaudissements nourris sont venus conclure la performance et l’artiste a invité les convives à déguster un drink que le Maëlstrom avait eu l’amabilité de préparer en l’honneur du nouvel album, qui partageait son nom. Ce fût aussi l’occasion pour quelques uns d’entre nous de se procurer la magnifique galette sur vinyle. On avait quatre bonnes raisons de les imiter: l’album est excellent, probablement le meilleur de l’artiste ; nous n’avons pu entendre que la moitié de l’album en question ; les pièces interprétées lors du lancement gagnent à être écoutées avec des écouteurs ; le disque comme tel est magnifiquement orné de teintes de bleu qui lui donnent une belle surface marbrée.
Bien que le terme d’ovni musical commence à être galvaudé lorsqu’on parle de la musique produite par la grosse gang de chums qui gravite dans l’univers déluré de la seule troupe post-rigodon bas-canadienne, Alaclair Ensemble, force est d’admettre qu’il commence à peine à décrire la provenance conceptuelle de cette galette cosmique que nous offrait Rednext Level le 15 avril dernier, gracieuseté de Coyote Records. D’emblée, on se doutait que les sonorités allaient explorer d’autres territoires, que les thèmes et les textes seraient la suite logique du projet précédent et que globalement, le groupe serait le théâtre de toutes les audaces pour les deux MCs bien connus et appréciés du public québécois, Maybe Watson et Ogden AKA Robert Nelson, pour le DJ Tiestostérone ainsi que pour le producteur Tork, un ami d’enfance de Maybe Watson qui gravitait davantage dans les sphères électroniques que dans le territoire rap-queb-champ-gauche occupé d’habitude par nos deux moineaux lyricaux.
On pourrait dire qu’Argent Légal est un album concept, bien que les pièces réunies ici sont assez diversifiées, mais construites la plupart du temps autour d’un noyau dur fait d’un savant alliage de house, funk, rap, trap, r&b et pop. Les thématiques coulent d’une pièce à l’autre, le voyage, la fête et l’argent occupent le centre névralgique des textes, qui sont par ailleurs truffés de références et de pointes d’ironie. Des pièces pouvant rappeler Maroon-5, un autre verse rap emprunté à Madonna, amenant un côté électro et pop au rap que laissait déjà préfigurer des titres d’Alaclair Ensemble, notamment «Mon Cou», qui pastichait déjà la reine du pop et son phrasé saccadé. Ici, on pousse vraiment la dose jusqu’au niveau suivant, et même jusqu’à l’autre d’après, le post-post-rigodon étant une sorte d’enfant bâtard surdoué qui serait né de l’union entre le rap-queb et Rouge-FM. La seule raison pour laquelle l’enfant en question, on le trouve beau au final, c’est que les parents sont assez talentueux pour donner la cohérence, l’authenticité et la qualité à un projet aussi audacieux et risqué à la base. Les mélodies et les refrains risquent d’en faire sourciller plus d’un, advenant le cas où on en venait à prendre au pied de la lettre et au premier degré les compositions de Rednext Level, qui sont par ailleurs à peu près toujours caractérisées par un jeu d’ironie et de références pouvant rendre hommage et faire dommage aux sources d’inspirations. La simplicité apparente du produit cache pourtant un travail de confection et de création assez novateur et cohérent avec leur parcours.
Deux titresont été révélés au public cet hiver, accompagnés de clips mémorables et créatifs, et c’est d’abord l’hyperactive et watatatowesque «Sri Lanka»,infusée au dance et house des années 90 et bardée d’autotune, tout comme c’est d’ailleurs le cas de la majorité des onze titres réunis ici, qui a charmé les mélomanes en manques de sonorités estivales, au plus creux de l’hiver. Quelques semaines plus tard, ce fût au tour de ce qui est devenu entre temps le véritable hymne national de la classe moyenne, la géniale «40K», qui fait l’apologie d’un taxe-payeur, d’un costco-magasineur, d’un Ford-Escape-conducteur, d’un rapport-d’impôts-faiseur et d’un carnet-Desjardins-à-jour-metteur. La pièce, qui est à mon goût le titre le plus réussi, est aussi le porte-étendard du concept de l’album Argent Légal, axé de A à Z sur le contratste entre l’activité et le résultat, la lutte au quotidien et l’amour de la fête, la vie d’un quidam avec des rêves de jet privé, et finalement, le réalisme et la résilience qui vient avec le fait de rentrer dans les rangs, en quelque sorte, et adopter une activité mature et productrice en vue de s’assurer un confort matériel relativement modeste mais pourtant difficile d’accès pour un rapper voulant vivre de son art.
L’album a des visées commerciales évidentes mais n’a pas tout sacrifié à l’aune de son éventuel potentiel radiophonique, les titres gardant un caractère fort ludique, original, novateur, enjoué et vivant, qui manque souvent cruellement aux créations musicales de l’industrie culturelle qui occupent la majorité du temps d’antenne des radios commerciales. Deux habituels collaborateurs d’Ogden et Maybe viennent mettre l’épaule à la roue pour aider les gars, issus d’un milieu habituellement boudé par les radios commerciales, le hip hop, à pénétrer le coffre-fort des succès radiophoniques et entrer en rotation. Avec des refrains aussi accrocheurs et des mélodies estivales de ce type, si aucun de ces deux titres n’en vient à passer à la radio de manière assez soutenue, titres où apparaissent respectivement Claude Bégin et Karim Ouellet, deux chouchous des ondes ces dernières années, je ne sais pas comment les artistes de ce milieu pourront faire une percée dans le domaine grand public. Pour les deux collaborations, d’abord la très sucrée et funky «Faible pour toi» avec Claude Bégin au refrain et à la production, et ensuite, la mélancolique et mélodique «Partir» avec Karim Ouellet, les artistes ont concocté des refrains qui respectent les canons de la pop et se mémorisent à la vitesse de l’éclair pour rester bien incrustés dans les molles fibres du cerveau, même plusieurs heures ou jours plus tard, ce qui leur confère à mes yeux un potentiel radiophonique que j’aurais difficilement pu imaginer possible, en tous cas pas avec un tel aplomb, et tout autant compatible avec l’univers décalé et juvénile qui accompagne leur groupe Alaclair Ensemble depuis les tous débuts.
Argent Légal a parfois le défaut de ses qualités. Pour la plupart d’entre nous, les onze titres réunis ici sont très très sucrés, ce qui pourrait faire sourciller les plus réfractaires à la musique pop, dont j’ai longtemps fait partie. L’exploit réussi par Rednext Level, c’est de faire écouter et aimer une musique construite à la base sur du dance plutôt kitch et très 90s, à des gens qui n’auraient jamais osé imaginer qu’une musique de ce type aurait des chances de leur plaire. On succombe assez facilement aux charmes du groupe, mais l’expérience est assez contre-intuitive au début, surtout pour un mélomane aguerri qui écoute autant du grindcore que du free jazz. Le niveau de qualité ici est assez élevé pour justifier l’intérêt qui doit être porté à la galette pour bien l’apprécier. Celle-ci gagne sans contredit à être écoutée dans des écouteurs, sans quoi la production tonitruante de Tork et les références ludiques et brillantes mises sur la table par les deux MCs pourraient passer à côté de l’expérience et ôter la riche subtilité de leur bébé sucré. On se croirait souvent au beach-club de Pointe-Callumet ou dans les quartiers populaires de Laval, si on en restait au premier degré, mais le tout prend plus souvent des allures de caricatures pince-sans-rire de tout ce qui tombe dans leur mire. La pièce testament de l’album, «Tatouer» est un bon exemple de cette approche à la fois sérieuse et trollesque, avec sa faute d’orthographe (« le rap québécois, je l’ai tatouer »). Le résultat est une superbe pastiche d’une chanson qui aurait pu exister sérieusement, à quelques détails près, comme confession d’un rappeur-couleuvre.
La direction empruntée ici par Ogden et Maybe Watson pour ce projet parallèle est à des années lumières de celle préconisée par Eman et VLooper, lauréats hip hop à l’Adisq pour 2015, mais on peut facilement remonter à une source commune avec Alaclair Ensemble, dont les aspects constituants ont été hypertrophiés différemment par ces deux projets. Alors que les gars prévoient enregistrer un nouvel opus d’Alaclair Ensemble à l’automne, l’album Argent Légal semble pour eux un parfait mélange de 9-à-5 et de récréation, soit une très divertissante activité parallèle qui pourrait s’avérer lucrative. Le travail acharné et le plaisir coupable qui ont donné naissance à cet album très estival devraient permettre aux trois protagonistes de se payer des Ah! Caramel, des cannes de thon et de la Bud-light en masse, à condition que les gens osent les suivre dans cette aventure – et ils ont tout intérêt à le faire. Fake pas l’funk pis boude pas l’fun, prends une portion de ton salaire horaire et va chez le disquaire acheter ta copie pis payer tes taxes dessus, surtout que tu viens juste d’avoir ton retour d’impôts el gros.
Depuis quelques années, au Québec, il n’est plus rare de voir des artistes faire des albums qui représentent la réalité et la jeunesse. Prenons Dead Obies, Koriass, ou encore Loud Lary Ajust. Mais où était l’album pop représentant la jeunesse joyeuse, colorée et pleine de vie ? C’est Laurence Nerbonne qui nous offre cet hommage à la jeunesse urbaine et vivante avec son premier opus XO (Coyote Records).
Qui est cette artiste si rafraîchissante? Laurence Nerbonne est une auteure-compositrice-interprète, et aussi peintre à ses heures. Elle est issue du groupe Hôtel Morphée, qui a connu un succès en 2014, mais qui n’a su en profiter assez longuement (malheureusement pour nous !). Le groupe annonçait en février 2015 sa séparation sans donner trop de raisons. Heureusement, la chanteuse n’a pas jeté l’éponge et s’est lancée tête première dans un projet solo. Étant auteure, compositrice, musicienne et beat maker à l’occasion, elle a su faire le tout d’une façon presque autonome. Seul Philipe Brault (Hôtel Morphé, Pierre Lapointe, Random Recipe) s’est greffé au projet comme réalisateur. Laurence Nerbonne lui signe d’ailleurs une magnifique dédicace dans les crédits de Montréal XO.
« Merci à Philippe Brault pour tout. Ton appel téléphonique rassurant au moment où j’en avais vraiment besoin m’a donné la force de faire un album complet. Merci pour ton talent et pour notre complicité. »
Remercions collectivement Philippe Brault d’avoir poussé Laurence Nerbonne à nous offrir cet album, car il est excellent. C’est dans un style électro-pop, parfois bonbon, que se dessinent les dix pièces de XO. Ce style totalement assumé par la chanteuse fait du bien au paysage musical québécois actuel. C’est beau de voir, et d’entendre, une femme assumer sa musique à fond sans censure et sans limites. Les textes ne sont pas des revendications, des textes engagés ou des sujets profonds; ce n’est pas le but ici. Quel est donc l’objectif des dix pièces? Se coller aux réalités de dizaines de milliers de jeunes adultes qui vivent au quotidien les pièces de Nerbonne.
Il est évident que l’amour, la ville, la technologie et l’amitié sont tous des thèmes qui ponctuent les chansons de la jeune chanteuse. Cette naïveté amoureuse, les premiers amours, les sentiments ressentis lors des balbutiements d’une relation, nous les ressentons sur chacune des pièces. Les images et la place à l’imagination sont mises de l’avant et sont adaptées par chacun des auditeurs dans sa propre vie, ses propres aventures. Les pièces Montréal XO et Tinder Love sont très collées aux réalités des jeunes adultes de 2016. Un trois minutes traitant d’amour à travers un écran, il n’y a rien de plus actuel. À l’ère de l’amour au numérique, Nerbonne dresse un portait dur et senti des nouvelles technologies pour trouver l’amour.
« Comme un Tinder Love
Qui ne guérit pas
Comme la foudre qui tombe
Sur nos écrans »
La sonorité sied aussi très bien à notre ère. Nous sommes dans l’électro pop avec beaucoup de rythme. La musique est d’ailleurs en avant-plan et laisse la voix de l’ex-Hôtel Morphée un peu plus en arrière-plan. Sa joie est, par contre, perceptible derrière ses paroles et ses cris. Toujours maniée avec justesse, sa voix est son instrument fort. Du côté des comparaisons, je ressens beaucoup de La Bronze, ou encore du Charli XCX à certains égards, dans cet album.
Plusieurs pièces valent le détour, dont le premier simple Montréal XO, qui a un rythme bien singulier qui donne le goût de danser à fond. Une belle pièce pour les néophytes du genre. Tel que mentionné précédemment, Tinder Love nécessite une écoute attentive pour bien y découvrir les subtilités du texte. Il est difficile de passer sous silence Rêves d’été, qui est, selon moi, la meilleure pièce de l’album. Le refrain est bien travaillé et contient un vers d’oreille qui pourrait très bien tourner sur toutes les radios à l’approche de l’été. Finalement, Lary Kidd fait une apparition sur Balade Luxueu$e, une pièce qui se laisse écouter, mais on a quand même déjà vu mieux en termes de collaboration.
Laurence Nerbonne nous offre un album bien léger et rempli de vie pour appeler l’été. Un hommage vivant à cette jeunesse urbaine remplie d’assurance et d’espoir. Dix pièces rythmées, dignes des grandes productions pop de ce monde, mais qui ne va pas dans le prémâché et dans la facilité. Un album coloré qui saura faire sourire une génération entière. Il faut lever notre chapeau à l’artiste, car l’album a été produit sous le sigle du DIY (Do It Yourself), soit d’une façon presque qu’indépendante, du moins dans la démarche artistique. Ça parait beaucoup dans l’introspection des mélodies et des textes.
Vous en voulez plus ?
Les pièces de XO seront présentées sur scène lors de deux lancements. Le 24 mars, elle présentera le tout à Québec en formule Apéro Découverte au District Saint-Joseph à 17 h. C’est gratuit! Que demander de mieux ? Laurence sera aussi de retour en ouverture de Karim Ouellet le 7 juillet 2016 au Festival d’Été de Québec !
À Montréal, ville ayant inspiré grandement l’œuvre, le lancement aura lieu au Belmont le 23 mars à 17 h.
C’est en 2014, dans la foulée de son album Fox, que le chanteur de Québec Karim Ouellet a atteint la trentaine. Fidèle à son habitude de s’inspirer de sa vie pour composer ses pièces, il nous propose son troisième opus Trente abordant, entre autres, l’amour, la rupture et la trentaine. En entrevue récemment avec le magazine Elle Québec, Karim affirmait : «Je me satisfais de moins en moins de mon travail. Je veux toujours faire mieux. Selon moi, les chansons de Trente sont les meilleures que j’ai composées jusqu’à présent». Est-ce vrai ?
D’un point de vue strictement lyrique, Karim Ouellet nous offre son œuvre la plus réussie de sa discographie. Les thèmes abordés, les métaphores et la poésie des textes sont évoquants et parfois émouvants. Nous ressentons la peine, voire une interrogation profonde sur l’amour en général, de sa plus récente rupture sur Cœur gros. Paradoxalement, sur Cœur de pierre, le chanteur espère qu’une fille « brisera son cœur de pierre » tout en s’aventurant par la suite sur un récit sexuel.
Malgré la force des textes, le mélange de genre et quelques prouesses audacieuses de la réalisation de Claude Bégin peuvent parfois être agressants. En effet, le mois dernier, les quelques centaines de spectateurs des spectacles Karim Symphonique présentés à Laval et Québec en collaboration avec Alain Trudel et l’Orchestre Symphonique de Québec ont pu entendre quelques pièces de Trente, interprétées de façon intime et pratiquement acoustique. Nous pouvions entendre la musique et les paroles d’une façon très simple (voix + guitare). Avec la réalisation de Trente, nous perdons parfois cette simplicité qui était présente sur Fox. L’émotion véhiculée des textes est parfois perdue dans une réalisation et des effets trop présents. Le meilleur exemple est probablement la pièce La mer à boire. La distorsion (?) de la voix de Karim Ouellet et les rythmes électroniques viennent nous éloigner de ce que nous avions vécu lors des deux spectacles symphoniques.
Outre cela, Karim Ouellet assume cette tournure électronique, parfois même reggae, visiblement inspirée de son complice King Abid, qui risque d’apporter un effet rafraîchissant à la version concert de cet album. Parlant de concert, les habitués des spectacles de Ouellet souriront au début de la magnifique comptine Il était une fois. Je n’en dirai pas plus, mais cette pièce plaira certainement aux amateurs du premier album du chanteur.
En résumé, pièce par pièce…
Prélude : Ouverture calme et tout en douceur avec les imperfections volontaires de la guitare pour nous ramener à la simplicité de la musique de Ouellet. Cette chanson aurait pu facilement être sur Fox, elle est dans le même esprit que son deuxième opus.
Oh ! Non : Magnifique chanson, qui risque fort d’être un des prochains simples de l’album. La mélodie reste ancrée en nous longtemps, avec la petite chorale en arrière-plan. Je vois déjà Karim se dandiner devant son pied de micro, guitare à la main et sourire aux lèvres en fredonnant le refrain.
Cœur gros : Cette pièce est très émotive dans ses textes, mais le produit fini peut laisser perplexe. Les répétitions des textes et la réalisation sont peut-être un peu grosses, mais il sera difficile de ne pas apprécier cette chanson quand même, car la voix de Karim est très juste et les textes sont magnifiques.
Il était une fois : Cette comptine est très agréable à l’écoute et nous présente un Karim Ouellet seul avec sa guitare nous récitant un poème de son cru et philosophant un peu sur la vie et sur les rêves. Les accords de guitare sont doux et en harmonie avec la voix du chanteur.
La mer à boire : Pièce rythmée et forte de l’album. C’est sans contredit la plus électronique du lot. Malgré le fait que je la considère trop complexe dans les arrangements et beaucoup trop grande dans la réalisation, j’ai bien hâte de voir quelles versions le chanteur choisira en concert. La version acoustique ? La version de l’album ? Un hybride entre les deux ? Je pencherais pour la dernière option, car elle a un potentiel monstre, cette Mer à boire.
Karim et le loup : Premier simple paru il y a quelques mois. Suivant le thème du renard de Fox, un animal se devait d’être présent dans Trente. C’est le loup qui est privilégié cette fois. Le mélange d’une chanson plutôt traditionnelle du registre de Karim et d’une chorale nous donne un petit bijou. Le refrain est un vers d’oreille sans fin.
Dans la nuit qui tombe : Nous avons ici une pièce qui plaira certainement aux amateurs de Fox. Nous sommes dans le même registre que le précédent album. La mélodie répétitive peut être agaçante par contre après quelques écoutes…
Trente : Pièce titre de l’album abordant évidemment le thème de la trentaine. Le chanteur ne voit pas cela d’un œil négatif du tout, mais plutôt comme une brève rétrospective de sa vie, et il y aborde son sujet préféré : l’amour. En prime, voici une version acoustique présentée par Ici Musique où on le voit dans son nouveau costume qui semble le suivre dans toute la promo de cet album. Est-ce le futur du masque de renard?
La course : Bonjour King Abid! Une pièce reggae très agréable qui nous rappelle que l’été approche à grands pas.
Cœur de pierre : Karim s’aventure dans un récit sensuel entre un homme et une femme qui s’aiment et qui vont faire tomber les inhibitions. Le refrain est très accrocheur et rempli d’espoir et de joie.
Les roses : Nous avons ici la pièce la plus dansante de l’album qui nous laisse sur une note bien joyeuse en fin d’album.
En conclusion, ce troisième opus de Karim Ouellet intitulé Trente comprend des petits bijoux qui se grefferont très bien à sa discographie. C’est encore une fois très réussi pour le chanteur qui risque de tourner beaucoup dans les prochains mois. Karim Ouellet s’aventure sur un terrain beaucoup plus rythmé et dansant qu’il nous a habitués au préalable. Il sera très intéressant de voir le résultat sur scène! D’ailleurs, seulement une date figure au calendrier du chanteur : le 17 juin prochain au Métropolis de Montréal dans le cadre des Francofolies avec son complice Claude Bégin.
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Les pièces du nouvel album sont parfois le fruit de collaborations avec des artistes d’ici et c’est une de ces collaborations qui a quasiment ouvert le set, la première partie de «Peninsula Mist», qui a été présentée juste après la seconde et qui mise sur la voix et les rimes de King Abid, son partenaire d’étiquette de disques chez la boîte de Québec Coyote Records, à qui on doit aussi les albums de Karim Ouellet, Claude Bégin et, tout récemment, D-Track et Rednext Level, entre autres. Millimetrik a toujours eu un côté hip hop, plus ou moins central selon les albums, et celui-ci y a encore recours comme sur cette excellente pièce. Avec le titre plus électro qui a terminé la performance en beauté, «Port Ellen Bass», où l’on peut entendre la voix éthérée de Maude Audet, il s’agissait à mon sens des deux moments les plus forts du set, ce qui n’est pas étranger au fait que ce sont aussi mes deux titres préférés sur le nouvel album.
Des applaudissements nourris sont venus conclure la performance et l’artiste a invité les convives à déguster un drink que le Maëlstrom avait eu l’amabilité de préparer en l’honneur du nouvel album, qui partageait son nom. Ce fût aussi l’occasion pour quelques uns d’entre nous de se procurer la magnifique galette sur vinyle. On avait quatre bonnes raisons de les imiter: l’album est excellent, probablement le meilleur de l’artiste ; nous n’avons pu entendre que la moitié de l’album en question ; les pièces interprétées lors du lancement gagnent à être écoutées avec des écouteurs ; le disque comme tel est magnifiquement orné de teintes de bleu qui lui donnent une belle surface marbrée.![[ALBUM] Rednext Level et Argent Légal : quarante mille nuances de rouge](https://archives.ecoutedonc.ca/wp-content/uploads/2016/04/a3776164179_10-960x960.jpg)
![[ALBUM] Laurence Nerbonne – XO](https://archives.ecoutedonc.ca/wp-content/uploads/2016/03/619061461929-960x960.jpg)
![[ALBUM] Karim Ouellet – « Trente »](https://archives.ecoutedonc.ca/wp-content/uploads/2016/03/Trente-Karim-ouellet-960x960.jpg)